Bemalt mit Heilungsszene aus dem 17. Jahrhundert Öl auf Kupfer

Ölgemälde auf Leinwand. Die Identifizierung der Heiligen erfolgt durch das Vorhandensein des großen Holzrads, Symbol des Instruments ihres Martyriums. Normalerweise wird die Heilige mit einer Krone auf dem Kopf und in königlicher Kleidung dargestellt, um ihre fürstliche Herkunft zu unterstreichen. Stattdessen haben wir hier eine untypische Darstellung von ihr, mit offenem Haar, nur bedeckt von einem großen roten Umhang (der die Farbe des Blutes und damit der sterblichen Menschheit hat), der von ihren Schultern fällt und sie zwingt, ihre Brüste mit den Händen zu bedecken; Ihr Blick ist nach oben gerichtet, wo sich der Himmel öffnet und ein Engel herabsteigt, der mit einer Hand die Palme des Märtyrertums hält und mit der anderen einen Blumenkranz auf ihren Kopf setzt, Symbol ihrer mystischen Hochzeit mit Christus. Es handelt sich also um eine Darstellung, die sie im Moment des Übergangs zum ewigen Leben sieht, ähnlich einer reuigen Magdalena in mystischer Anbetung, die sich Christus ohne menschliche Anerkennung opfert. Auf dem Gemälde stechen die Farbwahlen hervor, die vor einem dunklen und düsteren Hintergrund das Rot des offenen Himmels und des Mantels sowie das Weiß des Fleisches sowohl der Frau als auch des Engels hervorheben. Die bereits restaurierte und unterfütterte Leinwand wird in einem bearbeiteten Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert, der einige Mängel aufweist.

Öl auf Leinwand. Die Szene spielt sich in der Nähe eines Militärlagers ab: Vor einem Zelt auf der linken Seite nimmt ein Heerführer, wahrscheinlich ein Grieche, Opfergaben von einer Gruppe armer und zerlumpter Männer entgegen, die sich vor dem neuen Herrn niederwerfen; der erste hält ein paar Brote hin, ein anderer holt etwas aus einem Sack, der dritte zeigt die Wunden an seinem Körper und bittet um Gnade; Hinter ihnen nähern sich weitere Bettlerfiguren, die eine vereinzelte Linie auf dem Weg bilden und rechts in der Ferne verschwinden. Im Hintergrund links ist das geschäftige Leben im Militärlager zu sehen. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert.

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Die Szene zeigt den Zusammenstoß zwischen Rittern außerhalb der Mauern einer belagerten Stadt, während der Rauch von Schusswaffen in den Himmel steigt. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem angepassten antiken Rahmen präsentiert. Die Szene zeigt den Zusammenstoß zwischen Rittern außerhalb der Mauern einer belagerten Stadt, während der Rauch von Schusswaffen in den Himmel steigt. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem angepassten antiken Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Das große Gemälde stellt als Thema ein bekanntes alttestamentarisches Thema dar, nämlich den Reichtum König Salomos, der im Ersten Buch der Könige beschrieben wird: „König Salomo übertraf daher an Reichtum und Weisheit alle Könige der Erde. In jedem.“ Teil der Erde, um sich Salomo zu nähern, um auf die Weisheit zu hören, die Gott in sein Herz gelegt hatte. Jeder brachte ihm jedes Jahr Opfergaben aus Silber und Gold, Kleidern, Waffen, Gewürzen, Pferden und Maultieren. Auf dem Gemälde hört der König, reich gekleidet mit königlichen Symbolen (Krone, Zepter, Hermelinmantel), im Stehen den Postulanten zu, die zu ihm kommen, um den von seiner sprichwörtlichen Weisheit diktierten Rat zu erhalten, und im Gegenzug bringen sie ihn Opfergaben, die ihrer gesellschaftlichen Rolle angemessen sind: Einige Bauern bringen Säcke voller Getreide als Geschenke, die Früchte ihrer Arbeit auf den Feldern, ein anderer hebt einen Becher in die Höhe, um die Aufmerksamkeit des Königs zu erregen. Die Farben und der Bildstil des Gemäldes beziehen sich auf die norditalienische, insbesondere venezianische Produktion. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert.

Die reuige Magdalena und der heilige Johannes der Täufer

Öl auf Schiefer. Hier werden zwei Beispiele der Ölmalerei auf Stein vorgestellt, einer Bildgattung, die in der Republik Venedig zwischen dem 16. und 16. Jahrhundert besonders beliebt war, in der Form der Ölmalerei auf Tafel oder Prüfstein. Die Wahl eines solch dunklen Steins als Hintergrund hat nicht nur praktische Gründe (die Nähe der Minen von Brescia und Val Brembana), sondern, wie unsere beiden Werke deutlich zeigen, auch das Auftauchen der Figuren aus dem dunklen Hintergrund im Das Licht reagiert in vollem Umfang auf die neuen Bedürfnisse der damaligen Malerei, die im Klima der Gegenreformation dazu neigte, nicht nur die idealisierten existenziellen Gewissheiten der gesamten Renaissance zum Ausdruck zu bringen, sondern auch die Ängste und die Öffnung für Neues Phasen, die bereits bei Tintoretto zu einer stärkeren Berücksichtigung der Realität und leuchtenden Kontrasten tendierten, um dann überwiegend in die Forschung des 17. Jahrhunderts einzufließen, die sich stark auf die kontrastierende Kombination von Licht und Schatten konzentrierte. Die beiden hier vorgestellten Werke stammen aus der Produktion des venezianischen Raums in den ersten Jahrzehnten des 16. Jahrhunderts und zeigen zwei Heiligenfiguren, beide Einsiedler, auf einem dunklen, kaum sichtbaren naturalistischen Hintergrund. Die Figur Magdalena taucht aus der Dunkelheit auf und neigt sich, um der Kurve der Steinstütze zu folgen. Dargestellt ist sie, wie sie fragend in die Dunkelheit blickt, als ob sie zuhören würde, die linke Hand erhoben und die andere auf dem bemerkenswert verkürzten „Memento mori“ ruhend. Vor ihr eine Geißel und das Salbengefäß. Auf dem Anhänger ist der Heilige Johannes der Täufer als junger Mann dargestellt, mit einem Lamm zu seinen Füßen, in der Hand das Prozessionskreuz mit dem Banner „ecce agnus dei“, während er mit der rechten Hand erinnernd aus der Wasserquelle schöpft die Episode, in der Jesus Christus getauft wird. In beiden Gemälden stechen die Figuren durch das Schwarz der Schiefertafel, auf der sie abgebildet sind, stark und prägnant hervor. Die beiden Gemälde im ovalen Format werden in schwarzen Holzrahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Neapolitanische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Es handelt sich um eine traditionelle Szene der Kreuzabnahme Christi, wobei der leblose und blasse Körper in die Arme seiner Mutter Maria gesenkt wird, die wiederum vom Jünger Johannes umarmt und in ihrem Schmerz gestützt wird, und um ihn herum, an der Trauer teilhabend, zwei fromme Frauen und zwei Jünger. Die Szene zeichnet sich durch eine diagonal absteigende Linearität aus, die dem Körper Jesu folgt, beginnend mit der auf der linken Seite erhobenen Kreuzstange und endend mit der Frau, die sich auf der rechten Seite niederkauert, um die Füße Jesu zu umarmen. Rundherum ein kahler und grauer Hintergrund, der die Dramatik und Leere, die er erzeugt, unterstreicht. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Römische Schule des 17. Jahrhunderts. Die weite und luftige Landschaft, durchdrungen von einer „klassischen“, zeitlosen Atmosphäre, fügt sich in die klassizistische Strömung idealer Ansichten aus der römischen Landschaft ein, die im 17. Jahrhundert nach dem Vorbild von Carracci, Domenico und Albani mit großem Erfolg in Rom eingeführt wurden und dem französischen Poussin, Dughet, Lorrain und setzte sich bis ins folgende Jahrhundert mit Künstlern wie Andrea Locatelli fort. Ziel dieser Art von Landschaftsgemälden war es, die für die klassische Welt typischen Prinzipien von Schönheit, Vernunft, Ordnung und Maß hervorzuheben, den Wert der Geschichte zu würdigen und das von den Alten geerbte Vertrauen in die Tugenden des Menschen und seine Möglichkeiten zu feiern. In der Natur dieser Landschaften, die nicht dem Chaos überlassen, sondern komponiert, geordnet und nicht durch gewalttätige oder ungeordnete Elemente gestört wird, sind menschliche Figuren im alten Stil gekleidet, wie auf diesem Gemälde, auf dem ein Paar in klassischer Kleidung zu sehen ist Tuniken, mit denen sie freundlich sitzt (oder vielmehr halb liegend, fast so, als wären sie auf einem Triklinium), mitten in einer schattigen und grünen Landschaft, in der Nähe eines ruhigen Flusses; In der Ferne können Sie die Gebäude einer Stadt erkennen und Ihr Blick verliert sich dann in der geordneten und friedlichen Kontinuität der sanften Hügel Latiums. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Die Jungfrau ist in Herrlichkeit dargestellt, sie steht im Himmel und ist von kleinen Engeln umgeben. Das noch auf der ersten Leinwand befindliche Werk wurde auf einen modernen Keilrahmen aufgetragen: Diese Tatsache sowie die Unvollständigkeit der Marienfigur lassen darauf schließen, dass das Gemälde Teil einer größeren Leinwand war. Das Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Süditalienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. In der charaktervollen Szene steht in der Mitte die Figur eines Anführers, die in den Details der Rüstung, des Wappens und der Anatomie gut definiert ist: Mit der Bewegung seiner Arme begleitet er wohlwollend einen knienden Mann, der Zusammen mit seinem Begleiter huldigt er einem Kaiser, deutet jedoch mit ausgestreckter Hand auf die Gruppe von sechs Kindern, die rechts von den Soldaten zurückgehalten werden. Der Kaiser ist links vom Thron gestiegen und geht dem niedergestreckten Paar entgegen, aber auch er scheint sich fast in einer Haltung der Ehrfurcht gegenüber dem zentralen Anführer zu befinden. Die Szene scheint sich auf eine historische Gnadenepisode eines Anführers zu beziehen, bei dem es sich aufgrund seines Alters, seiner Gesichtszüge und der Art der Rüstung um Alexander den Großen handeln könnte, eine Figur, die jedoch nur schwer mit der anderen mit Lorbeer gekrönten Figur in Einklang gebracht werden kann , der im prächtigen Palast vom Thron herabsteigt. Es ist daher nicht möglich, die Bezugsepisode (historisch oder legendär?) genau zu identifizieren. Darüber hinaus wird der kompositorische Reichtum der Szene gewürdigt, wobei zahlreiche detaillierte Figuren und leuchtende Farben ihre Dynamik unterstreichen. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Anhänger von Peter Paul Rubens

Öl auf Leinwand. Das Gemälde geht auf das Werk von Rubens (1577–1640) zurück, das im Prado-Museum in Madrid aufbewahrt wird und in einem Stich von Paulus Pontius (1603–1658) reproduziert wurde, wie es auch in dieser Version erscheint. Die Figur Mariens nimmt die vertikale Mitte der Szene ein, deren Gesicht von dem von Isabel Brandt inspiriert wurde, der ersten Frau des flämischen Malers, die 1626 im Alter von nur 35 Jahren starb. Die Madonna hält das Jesuskind in ihren Armen, das ihr zärtlich, aber ernst in die Augen blickt, während eine kleine Hand auf die nackte Brust seiner Mutter gelegt wird, von der es gerade Nahrung erhalten hat; Hinten, stehend, umarmt die heilige Anna die Schultern ihrer Tochter und ihres Enkels in einer zärtlichen und beschützenden Umarmung und lächelt selbstgefällig: Auf der linken Seite, ein wenig getrennt und im Dunkeln, schaut Joseph nachdenklich und besorgt zu: die einzige menschliche Figur, die das nicht tut Treten Sie ein in das Licht, das vom Gesicht des Kindes ausgeht und auf das Gesicht Mariens und durch Reflexion auch auf das Gesicht der Heiligen Anna strahlt. Im Vergleich zum Werk des Meisters wird die Zusammensetzung der Figuren respektiert, einige Details weichen jedoch ab, insbesondere in der Kleidung der Heiligen Anna, Mariens und in der Drapierung, die die Hüften des Kindes umgibt, was die Hypothese stützt, dass es sich um ein Werk handelt ein Anhänger des flämischen Meisters. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde ist in gutem Zustand und weist lediglich einen Farbkratzer oben in der Mitte auf.