Paar Alte Wandlampen aus Feinblech Italien des XX Jhs - Italien, XX Jhd

Basrelief aus vergoldeter Bronze. Unten rechts signiert; Auflage 25/150 unten links. Dem Triptychon liegt ein Echtheitszertifikat des Seledi Arte Center in Mailand bei. Die Titel der drei Flachreliefs sind in der Beglaubigung abgebildet: Fortune, Stallion Fight, The Couple. Die Skulptur von Francesco Messina, die so voller Anklänge an das klassische griechisch-römische und hellenistische Erbe ist, „zeichnet sich“, schrieb Carlo Carrà, „durch einen einfachen und grandiosen Stil“ und durch eine „idealistische und klassische Vorgehensweise“ aus, die in der Lage ist, Formen Leben einzuhauchen die als „Idealbilder“ bleiben. Die drei Bronzetafeln sind in einem einzigen Rahmen montiert.

Alte Frau 1910

Farbstifte auf Papier. Unten rechts signiert und datiert. Auf der Rückseite befindet sich eine Kartusche mit dem Titel und dem Etikett der Bolzani Art Gallery in Mailand. Antonio Mancini war ein realistischer Maler, der an der neapolitanischen Schule von Morelli und Palizzi und später in Paris ausgebildet wurde. Er widmete sich hauptsächlich Porträts und Genreszenen mit populärem oder anekdotischem Geschmack, doch während er sich in einer anfänglichen Phase dem Naturalismus des 19 begann, mit verschiedenen Techniken zu experimentieren, indem er auf lebhafte Lichtblitze zurückgriff, die in Klumpen heftiger Farbe und leuchtender Strömung auf die Leinwand gebracht wurden, bis hin zur Verwendung außerbildlicher Materialien, wie farbigem Glas, und aufgeregte Figuren vorschlug, manchmal in fantasievollen Verkleidungen , ein Ausdruck seiner seelischen Not. Diese Zeichnung, die zur späteren Produktion gehört, zeigt das Gesicht einer älteren Frau (Ciociara laut Titel), dargestellt im Profil und umgeben von Farbtupfern, die einen nuancierten und lebendigen Heiligenschein erzeugen. Das Werk wird in einem zeitgenössischen Rahmen (mit kleinen Mängeln) präsentiert.

Amharisch (äthiopische Figuren) 1930er Jahre

Bleistift auf Papier. Signatur, Titel und Standort unten rechts. In der zweiten Hälfte der 1930er Jahre reiste Contardo Barbieri als Freiwilliger zum Feldzug nach Ostafrika. Aus dieser Zeit gibt es einige Werke, die orientalische Themen vorschlagen, wie zum Beispiel diese Charaktere des äthiopischen Volkes, die Amharisch genannt werden, weil sie aus Amhara stammen, einer Region im zentralen Norden Äthiopiens, in der sich die Stadt Dessié befindet. Im Rahmen.

Die Neun Musen

Wandteppich. Unten rechts erscheint das Wort Euterp. Der riesige Grassaft stellt die neun Musen dar, weibliche griechische Gottheiten, allesamt Schwestern, als Töchter von Zeus und Mnemosyne und mit dem Gott Apollo als Führer. Sie stellten das höchste Ideal der Kunst dar, verstanden als die Wahrheit des „Alles“ oder die „ewige Herrlichkeit des Göttlichen“. Ursprünglich wurden sie allgemein als Gottheiten des Gesangs und fröhlicher Tänze betrachtet, die für die musikalische Umsetzung von Geschichten wie dem Ursprung der Welt, der Geburt von Göttern und Menschen und den Heldentaten des Zeus in Versen verantwortlich sind und oft in Begleitung verschiedener Musikinstrumente dargestellt werden Ab der hellenistischen Ära waren alle gesanglichen und musikalischen Ausdrucksformen damit verbunden, darunter auch traurige und beerdigende Künste, sowie andere Künste wie das Theater, und jede von ihnen war mit einer bestimmten Kunstgattung verbunden, so dass sie einzeln aufgerufen werden konnten um ihre Inspiration und ihren Schutz auszuüben. Das Wort „Euterp“ bezieht sich auf den Namen einer von ihnen, Euterpe, Muse der Lyrik und Musik, die traditionell mit einer Flöte dargestellt wird; Aber der Name Euterpe bedeutet etymologisch „Die Jubelnde“, die Freude bringt, und man kann daher denken, dass sich die Wahl dieses Namens für den Titel des Wandteppichs auf die älteste Funktion der Musen bezieht, die Freudenbringer durch die Kunst. In dieser Darstellung erscheinen die Musen tanzend, gekleidet in Schleier und blühende Zweige; In ihren Händen oder daneben platziert erscheinen Instrumente oder andere Gegenstände, die die Kunst symbolisieren, die sie inspirieren (sowohl tragische als auch komische Theatermasken, die Bildpalette, verschiedene Musikinstrumente ...). Das große Gemälde weist Gebrauchsspuren und Feuchtigkeitsflecken auf.

Stickerei auf Baumwollstoff. Japan, Meiji-Zeit (1868 -1912). Das große Panel aus besticktem Baumwollstoff bietet ein naturalistisches Motiv: Adler und andere Vögel sind zwischen stilisierten Bergen sowie Kiefern- und Glyzinienzweigen abgebildet. Die Stickerei wird im Stilrahmen präsentiert.

Kinderporträts 1930

Mit Pastell retuschierte Fotos. Unten rechts signiert. Auf der Rückseite von drei davon steht das Datum 11. November 1930. Zu sehen ist eine Fotosequenz des Porträts von drei Kindern, die ihre Pose oder ihren Gesichtsausdruck leicht verändern. Sie sind das Werk der britischen Fotografin Eva Barrett, die nach ersten Erfahrungen als Malerin beschloss, sich der Fotografie zu widmen, weil sie der Meinung war, dass „es besser ist, eine erstklassige Fotografin zu sein als eine zweitklassige [Malerin]. Nachdem sie 1913 nach Rom gezogen war, richtete sie hier ihr Labor ein. Die mit einer kleinen Kamera arbeitende Pictorialistin Eva Barrett entwickelte ihre eigene fotografische Methode, die an das Zeichnen von Skizzen erinnerte: Sie trug einige sehr leichte Bleistiftstriche auf und schaffte es so, gedämpfte Bilder mit besonders dichten Schwarztönen zu erzeugen und so die Eigenschaften von Fotografie und Porträts beizubehalten. Auf diese Weise war er sehr erfolgreich und seine Karriere nahm Fahrt auf. Eva Barrett fotografierte die italienische Königsfamilie, die Frauen und Kinder ausländischer Botschafter und erhielt zahlreiche Aufträge von europäischen Königshäusern in Belgien, Schweden und Griechenland. Die vier Porträts werden in Stilrahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Unten links befindet sich eine nicht identifizierte Signatur. Große Komposition aus bunten Blumen, draußen auf kahlen, verlassenen Böden platziert. Die Farben der Blumen sind mit einer gewissen Materialkonsistenz aufgetragen, wodurch sie sich deutlich vom nahezu monochromatischen Hintergrund abheben. Das Gemälde weist in der unteren linken Ecke einige Schmutzspritzer auf. Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Unten rechts signiert Bertolotti. Es bietet einen Blick auf einen Wald mit spärlichen, hohen Pflanzen und einem Unterholz voller Steine, das von einem grünen Rasen bedeckt ist. Durch die Bäume öffnet sich in der Mitte ein lichtdurchfluteter Spalt, der schroffe Berggipfel umrahmt. Das Gemälde mit starker szenografischer Wirkung wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Mann mit Hund 1962

Lithographie, unten links nummeriert N.138/170, unten rechts signiert. Als pisanischer Maler und Graveur erlangte er erst nationale Anerkennung, als er 1948 Professor für Gravur an der Akademie der Schönen Künste in Florenz unter dem Lehrstuhl von Giovanni Fattori wurde. Viviani war in der Lage, seine persönliche Vision der Welt in seine Gravuren zu übertragen, und zwar durch Bilder, die sich auf das Leben an der pisanischen Küste bezogen, das Land, das er liebte und in dem er lebte und sich seiner anderen großen Leidenschaft, der Jagd, widmete. Präsentiert in einem Plexiglasrahmen.

Ölgemälde auf Leinwand. Die Komposition blickt auf die Produktionen des 17. Jahrhunderts und bietet einen reich beladenen Tisch mit Obsttabletts, Körben mit Kirschen, Körben mit Pfirsichen und Weintrauben mit dekorativen Weinblättern, Terrinen mit Samen und Gläsern, überragt von einem Vorhang und aufgesetzt ein Stoff. An einigen Stellen wurde die Farbe sehr materialistisch eingesetzt, um beispielsweise die Stängel von Weinblättern hervorzuheben oder um Lichtreflexe auf den Früchten zu erzeugen. Das Gemälde wird in einem Stilrahmen präsentiert.

Thomas' Unglaube

Bleiglas, mit handbemaltem polychromem Glas. Dargestellt ist die Szene aus dem Evangelium, in der der heilige Thomas, nachdem er an seiner von den anderen Jüngern angekündigten Auferstehung gezweifelt hat, Jesus erkennt, der ihm erscheint und ihn bittet, seine Wunden am Kreuz mit der Hand zu berühren. Die Arbeit hat einige leichte Brüche und es fehlen einige Originalgläser, die ersetzt wurden. Es ist in einem neueren Rahmen montiert.

Bäume im Nebel, 1978

Ölgemälde auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Das Gemälde, das aus einer Privatsammlung in Pavia stammt, ist auf Seite 73 von Simona Moranis Monographie über den Künstler Primo Carena (Bolis Editions) veröffentlicht, wobei die Präsentation von der Kunstkritikerin Rossana Bossaglia signiert ist. Die Seenlandschaft bringt gut die gedämpfte Intimität zum Ausdruck, die mit dem strengen Realismus verbunden ist und das malerische Schaffen des Malers aus Pavia kennzeichnet. In seinen Landschaften tendiert Carena dazu, „die atmosphärische Realität der Orte einzufangen, ohne sich dem Deskriptivismus hinzugeben ... sondern stets unterstützt von einer lyrischen Ader, die das zugrunde liegende Motiv all seiner Produktion ist“. Das Werk wird in einem Stilrahmen präsentiert. Es ist auf Seite 75 von Simona Moranis Monographie über den Künstler Primo Carena (Bolis Editions) veröffentlicht, wobei die Präsentation von der Kunstkritikerin Rossana Bossaglia signiert ist. Die Landschaft bringt gut die gedämpfte Intimität zum Ausdruck, die mit dem strengen Realismus verbunden ist, der das malerische Schaffen des Malers aus Pavia kennzeichnet. In seinen Landschaften tendiert Carena dazu, „die atmosphärische Realität der Orte einzufangen, ohne sich dem Deskriptivismus hinzugeben ... sondern stets unterstützt von einer lyrischen Ader, die das zugrunde liegende Motiv all seiner Produktion ist“. Das Werk wird in einem historischen Rahmen präsentiert.