Mischtechnik auf Leinwand. Die große Szene, die in der einzigen Rot-Rosa-Palette gemalt ist, sieht rechts zwei große Figuren, während die gesamte linke Seite von einer Wüstenlandschaft eingenommen wird, wobei die Wellen der Dünen in der Ferne verschwinden. Die beiden Figuren stellen einen sitzenden Ritter mit Turban und Sarazenenkleid dar, der von einem Mädchen in westlicher Kleidung erfrischt wird, das ihm ein mit Essen beladenes Tablett reicht, während sich auf der darunter liegenden Oberfläche ein Becken mit Wasser, Ähren und verschiedene Früchte. Es könnte eine der vielen Darstellungen der Geschichte von Angelica und Medoro sein, erzählt von Ariosto in Orlando Furioso, die von der Liebe zwischen dem christlichen Mädchen und dem in einer Schlacht verwundeten sarazenischen Infanteristen erzählt, die dann gemeinsam nach Cathay flohen. wodurch Orlandos Wahnsinn entfesselt wird. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Hartfaser. Rechts unten signiert. Weitere Signatur, Datum und Titel auf der Rückseite. Giovanni Balansino, gebürtiger Piemonteser, aber durch Adoption Lombarde, entschied sich dafür, seine Liebe zu beiden Ländern mit seiner Malerei aus breiten und nervösen Pinselstrichen darzustellen, und widmete ihnen einen großen Teil seiner Produktion, die dieser Einblick in eine Stadt in der Lombardei enthält schmucklos. Im Rahmen.

Mann mit Hund 1962

Lithographie, unten links nummeriert N.138/170, unten rechts signiert. Als pisanischer Maler und Graveur erlangte er erst nationale Anerkennung, als er 1948 Professor für Gravur an der Akademie der Schönen Künste in Florenz unter dem Lehrstuhl von Giovanni Fattori wurde. Viviani war in der Lage, seine persönliche Vision der Welt in seine Gravuren zu übertragen, und zwar durch Bilder, die sich auf das Leben an der pisanischen Küste bezogen, das Land, das er liebte und in dem er lebte und sich seiner anderen großen Leidenschaft, der Jagd, widmete. Präsentiert in einem Plexiglasrahmen.

Die Landstraße

Öl auf Hartfaser. Unten links signiert. Raoul Viviani, der als Kind mit seiner Familie 1898 nach Mailand gezogen war, schrieb sich noch sehr jung an der Brera-Akademie ein, wo er unter der Leitung von Giuseppe Mentessi (1857-1931) studierte. Gleichzeitig besuchte er die Aktschule der Künstlerfamilie, mit der er erstmals im Alter von 17 Jahren ausstellte und sofort großen Erfolg bei Publikum und Kritik feierte, als Landschaftsmaler mit starker Persönlichkeit und Modernität und für sein höchst origineller Stil, der von starken chromatischen Experimenten geprägt ist. 1912 nahm er an der Biennale in Venedig und in der Folge an zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen teil. Ab 1926 begann er seine Karriere im Bereich der Kunstkritik und schrieb für verschiedene Zeitungen, aber seine Opposition gegen den Faschismus veranlasste ihn, das freiwillige Exil zu wählen: 1931 zog er nach Uruguay, wo er die Akademie der Schönen Künste von Montevideo gründete und leitete. 1937 nach Mailand zurückgekehrt, nahm er seine Tätigkeit als Maler und Kritiker wieder auf. In den 1950er Jahren zog er aus gesundheitlichen Gründen nach Rapallo und blieb dort bis zu seinem Tod. Äußerst origineller Landschaftsmaler, der sich mit Ölmalerei, aber auch mit Aquarell und Gravur beschäftigt, der pointillistischen Malerei jedoch sehr nahe steht und eine ganz eigene Technik entwickelt, die sich durch hauchdünne Farbfäden in Form von dünnen Kommas auszeichnet, die die Strukturen definieren seiner Landschaften. Mit seiner Übertragung nach Ligurien wird die ligurische Landschaft zum Protagonisten seiner Werke und auch seiner stummen Technik, die sich vom ursprünglichen Pointillismus wegbewegt und sich einem breiten und summarischen Pinselstrich öffnet, der schließlich zu einer Produktion von Stillleben aus heftigen und kontrastierenden führt Farben. In diesem Werk, in dem die technischen Eigenschaften von Viviani sehr geschätzt werden, erscheint entlang des Feldwegs, der entlang des Kanals verläuft, eine Frauenfigur, die eine Ausnahme in seiner Produktion darstellt, der normalerweise figurative Elemente fehlen. Im Rahmen arbeiten.

Philosoph

Öl auf Karton. Unten rechts signiert. Stammt aus einer Privatsammlung in Pavia. Das Gemälde stellt ein von Primo Carena mehrfach aufgegriffenes Thema dar, sowohl mit Gruppen von mehreren Figuren, die in eine Landschaft eingefügt sind, als auch mit einer einzelnen Figur, wie sie in diesem Gemälde erscheint, das zur Produktion der 1950er Jahre gehört. Der Mann am Strand erinnert in der sitzenden Pose, mit dem Ellbogen auf ein Marmorkapitell gelehnt, und in dem Tuch, das auf seinen Beinen ruht, an die ältere Figur, die in einem Werk von De Chirico, dem Gruß an die Argonauten, sitzt, und untermauert dies gut Bezug auf die Metaphysik der Malerei, die der Maler aus Pavia in seinen Figurenbildern der 1950er und 1960er Jahre zum Ausdruck bringen wollte. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Ohne Titel 1930

Tusche auf Papier. Unterschrift und Datum unten. Mit Authentifizierung auf Foto der Galleria Giò Marconi in Mailand und Stempel aus Privatarchiv. Es ist die Zeichnung des jungen Künstlers, der bald zu einem der wichtigsten Vertreter des Weltsurrealismus wurde, der Dichter und Maler, aber auch Filmemacher, Kunst- und Filmkritiker, Fotograf und humorvoller Designer war. In Nordfrankreich geboren, ließ er sich 1927 in Paris nieder, wo er in Kontakt mit einer Gruppe junger Dichter und Philosophen kam, mit denen er die Bewegung „Grand Jeu“ gründete: Spiel wird als Lebenskunst verstanden. Seit 1928 arbeitet er an Texten, Gedichten und Zeichnungen für die Zeitschrift der Bewegung und arbeitet in der Zwischenzeit als Redakteur und Reporter mit verschiedenen Pariser Zeitungen zusammen der surrealistischen Bewegung, Mitarbeit an ihren Veröffentlichungen und Teilnahme an ihren Ausstellungen. Sein Humor wendet sich dem Ungewöhnlichen und Grausamen zu, verspottet immer mehr die Absurdität des Alltags, die tragische Seite des gemeinsamen Daseins, gegen die sich der Geist und das Unbewusste auflehnen und versuchen, das Unbeobachtbare zu erreichen. Kennt Salvador Dalí. 1939 begann er auch seine Tätigkeit als Filmemacher, 1941 fand seine erste Einzelausstellung in Paris statt: Erster Käufer war Pablo Picasso. Nehmen Sie an allen surrealistischen Ausstellungen teil, einschließlich der internationalen Ausstellung von 1947 in Paris. 1951 verließ er aus Gründen der internen Disziplin der Gruppe die surrealistische Bewegung mit anderen, praktizierte aber weiterhin ihre Poetik. 1955 begeisterte er sich auch für die Fotografie. Seit 1968 widmet er sich fast ausschließlich der Malerei und gibt die Tätigkeit des humorvollen Zeichners auf. Im selben Jahr ließ er sich dauerhaft in Mailand nieder: In Italien stellte er in verschiedenen Einzelausstellungen aus, in Mailand in der Galleria Marconi. Das hier vorgestellte Werk, eine frühe Zeichnung, stammt aus einer bedeutenden Mailänder Privatsammlung. Es wird in einem Rahmen präsentiert.

Straße nach Cervasca 1981

Öl auf Hartfaserplatte. Unten rechts signiert. Weitere Signatur, Datum und Titel auf der Rückseite. Giovanni Balansino, piemontesischer Herkunft, aber lombardischer Adoption, beschloss, seine Liebe zu beiden Ländern mit seinem Gemälde aus breiten und nervösen Pinselstrichen darzustellen und widmete ihnen einen großen Teil seines Schaffens. In dem vorgeschlagenen Gemälde präsentiert Giovanni Balansino einen flüchtigen Blick auf eine Landstraße in der Nähe eines Dorfes, das er in Cervasca, einer kleinen Bergstadt in der Gegend von Cuneo, identifiziert, belebt durch zwei kaum skizzierte Figuren, die sich durch die Überlappung der Figuren in die natürliche Umgebung einfügen die aufgetragenen Farben mit schnellen Pinselstrichen und undefinierten Konturen. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand, in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts auf Hartfaserplatte aufgetragen. Das Gemälde greift mit einem dekorativen Schnitt die Bildweisen des 18. Jahrhunderts auf. In einer friedlichen Landschaft, mit einer architektonischen Struktur auf der rechten Seite und dem grünen Tal mit der Flussmündung auf der linken Seite, gehen zwei Figuren den Weg entlang, eine Frau mit ihrem Kleiderbündel und der Wanderer mit Satteltasche und Stock. Das Werk wird im Chronikstil präsentiert.

Zwei Figuren

Tusche auf Papier. Rechts unten signiert. Mit Fotobeglaubigung seiner Frau Matilde Sironi vom September 1963 und Fotozertifikat aus dem Archiv JA PF. mit Nummer 031 und Daten der Arbeit. Mario Sironi widmete sich viel dem Zeichnen und Figurenstudium, und seine Produktion umfasst viele Zeichnungen, Figurenstudien und Skizzen für spätere Gemälde. Die ganze Kraft und Ausdruckskraft von Sironis Körpern zeigt sich bereits in diesen Zeichnungen, deren Geist, eine unaufhörliche Schmiede von Ideen und Projekten, die oft in großem Maßstab geschaffen wurden (er schuf zahlreiche Wandbilder), oft auf behelfsmäßigen Papierträgern zum Zeichnen, auch in kleinen Dimensionen, auf denen er in wenigen Zentimetern große Projekte, provokative Ideen und poetische Bilder nachzeichnete. Das Werk stammt aus einer bedeutenden Mailänder Privatsammlung. Es wird in einem Rahmen präsentiert.

Pulcinellas Feiertage 1981

Öl (gemischt) auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Auf der Rückseite eine weitere Signatur, der Titel, die Technik und eine handsignierte Widmung des Künstlers an einen Freund. Mario Cortiello, ein neapolitanischer Maler, Schüler von Gennaro Villani und später Freund und Mitarbeiter von Umberto Lilnoni, beteiligte sich mit seinem ganz persönlichen Stil an der Erneuerung der neapolitanischen Malerei, ohne von der Tradition abzuweichen. Ausgestattet mit fruchtbarem Erfindungsreichtum und bemerkenswerter Repräsentationsfähigkeit hinterließ er ein reiches und vielfältiges Schaffen. In seinem Schaffen tauchen immer wieder Landschafts- oder Stadtansichten auf, die von zahlreichen Figuren bevölkert werden, oft in der neapolitanischen Umgebung, von Pulcinella, schwebend auf traumhaften Hintergründen dargestellt, so sehr, dass er als neapolitanischer Chagall definiert wird. In diesem Werk stellt Cortiello die Feiertage der neapolitanischen Maske als spielerischen Moment in Gesellschaft der allgegenwärtigen nackten Frauen dar. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Zusammengesetzt aus geholzten Blättern, zusammengenäht und teilweise koloriert, mit passenden Figuren und Texten. Die Gruppe besteht aus 23 Heften, davon zwei in drei Exemplaren und eines in vier Exemplaren; ein anderes Paar hat das gleiche Cover, aber unterschiedliche Inhalte. Die Hefte können als „Manga“ des 19. Jahrhunderts betrachtet werden: Das Wort „Manga“ kann noch heute viele verschiedene Produktionen bezeichnen, wie einzelne Cartoons, verstreute Zeichnungen, aufwändigere Illustrationen, Comicstrips, Comicbücher sowie animierte Zeichnungen . Ausgehend von der Annahme, dass es keine „Manga-Form“ gibt, sondern unterschiedliche Auffassungen von Gegenständen und grafischen Formen, die alle mit diesem Wort bezeichnet werden, lässt sich der Begriff Manga bereits im 18 , wie oben erwähnt, Zeichnungen und Skizzen. Aber erst in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts etablierten sich Katsushika Hokusais 15 Bände mit Illustrationen, Studien, grafischer Unterhaltung und detaillierten zweifarbigen Drucken dank der fortschreitenden Veröffentlichung ab 1814. Wollen wir dagegen dem Wort die spezifischere Bedeutung von „aneinandergereihten Geschichten“ geben, dann muss das Debüt in die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts gelegt werden, ähnlich wie es in Europa und den Vereinigten Staaten geschah für Comics. Die Hefte sind in gutem Zustand.

Der Weg von San Rocco (Camogli)

Öl auf Karton. Unten links signiert. Auf der Rückseite dieser Titel in Bleistift. Raul Viviani, ein äußerst origineller Landschaftsmaler, der mit Ölmalerei, aber auch mit Aquarellen und Gravuren experimentierte, kam der Divisionsmalerei sehr nahe, entwickelte jedoch seine ganz persönliche Technik, die durch sehr dünne Farbfäden in Form dünner Kommas gekennzeichnet ist, die das Bild definieren Strukturen seiner Landschaften. Mit seiner Versetzung nach Ligurien, bei der die Landschaft dieser Region zum Protagonisten seiner Werke wurde, veränderte sich seine Technik, weg vom ursprünglichen Divisionismus hin zu einem breiten und summarischen Pinselstrich, der schließlich in der letzten Periode zu einer Produktion von führte Naturtod mit heftigen und kontrastierenden Farben. Diese Landschaft kann auch in die ligurische Zeit eingeordnet werden und bietet einen Einblick in einen bekannten ligurischen Ort, der immer noch im charakteristischen Stil von Viviani wiedergegeben ist, bestehend aus Pinselstrichen in dünnen Fäden, die mit Flecken lebhafter Farbe in den Farbbereichen überlagert sind der Farben der Natur. Im Rahmen.

Die Olona

Öl auf Hartfaser. Rechts unten signiert. Weitere Signatur und Titel auf der Rückseite. Giovanni Balansino, gebürtiger Piemonteser, aber durch Adoption Lombarde, entschied sich dafür, seine Liebe zu beiden Ländern mit seiner Malerei aus breiten und nervösen Pinselstrichen darzustellen, und widmete ihnen einen großen Teil seiner Produktion. In dem vorgeschlagenen Gemälde zeigt Balansino einen Blick auf den Fluss Olona, einen Wasserlauf, der vollständig in der Lombardei liegt und durch die Dörfer der lombardischen Ebene fließt. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Hospitalisierung des Dreizacks 1916

Öl auf Karton. Rechts unten signiert. Auf der Rückseite befindet sich der Name mit dem Titel, der den kleinen Einblick in Mazedonien im Jahr 1916, während des Ersten Weltkriegs, verortet. Alfonso Corradi, geboren in der Emilia, aber ausgebildet und dann in Mailand lebend, studierte Ornamentik an der Brera Academy und widmete sich einige Jahre auch der Szenografie. Er spezialisierte sich auf Landschaftsmalerei und begann eine vor allem in Mailand konzentrierte Ausstellungskarriere. Das hier vorgeschlagene Sujet, obwohl Landschaftscharakter, ist Teil einer seltenen Produktion einer Serie kleiner Bilder, fast Skizzen, die bis zum Ersten Weltkrieg zurückführt, insbesondere zur Militärexpedition einer italienischen Einheit nach Mazedonien im Jahr 1916 , die von der Regierung mit dem Ziel entsandt wurden, den österreichisch-ungarischen und bulgarischen Streitkräften während des Ersten Weltkriegs entgegenzuwirken und dieses Gebiet zu kontrollieren. Auch eine direkte Beteiligung des Malers an diesem Kriegszug ist nicht dokumentiert. Das Gemälde ist gerahmt.

Ölgemälde auf Leinwand. Die Komposition blickt auf die Produktionen des 17. Jahrhunderts und bietet einen reich beladenen Tisch mit Obsttabletts, Körben mit Kirschen, Körben mit Pfirsichen und Weintrauben mit dekorativen Weinblättern, Terrinen mit Samen und Gläsern, überragt von einem Vorhang und aufgesetzt ein Stoff. An einigen Stellen wurde die Farbe sehr materialistisch eingesetzt, um beispielsweise die Stängel von Weinblättern hervorzuheben oder um Lichtreflexe auf den Früchten zu erzeugen. Das Gemälde wird in einem Stilrahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Unten rechts signiert Bertolotti. Es bietet einen Blick auf einen Wald mit spärlichen, hohen Pflanzen und einem Unterholz voller Steine, das von einem grünen Rasen bedeckt ist. Durch die Bäume öffnet sich in der Mitte ein lichtdurchfluteter Spalt, der schroffe Berggipfel umrahmt. Das Gemälde mit starker szenografischer Wirkung wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Blick auf Mandello Lario 1909

Öl auf Leinwand. Signatur und Ort (Mandello) unten links. Auf der Rückseite zusätzliche Signatur, Datum und vollständiger Titel. Riccardo Pellegrini, ein Mailänder Maler, war ein Schüler von Domenico Morelli und wurde im Klima der Romantik erzogen. Er war Landschaftsmaler und Genremaler, schuf aber auch wertvolle Stillleben, mit leuchtenden Farben und einer präzisen und realistischen Zeichnung. Seine Landschaftsproduktion stützte sich auf die verschiedenen Orte, die er besuchte und lebte, in Italien und im Ausland, insbesondere in Spanien und Frankreich. In dieser Landschaft bietet Pellegrini einen Blick auf den Berg, der die Stadt am Ufer des Comer Sees überragt: ein karger und kahler Berg, wenn auch bewohnt, mit der Hütte auf dem Gipfel und einer weiblichen Figur, die die Eimer am Strom des fließenden Wassers füllt. zwischen den Felsen; die Farben sind die der Winternebel, die fast quer geteilt sind zwischen dem Graublau des oberen Teils, mit regenbeladenen Wolken, die die Gipfel auf der anderen Seite des Sees dominieren (was man spüren kann, ohne gesehen zu werden), und das Grün-Braun des Landes, das die untere Hälfte einnimmt, mit den ausgestreckten Ästen der kahlen Bäume, um die beiden Hälften zu verbinden. Die Stille der Berge, so der Titel der Arbeit, scheint deutlich durch und durchdringt den Geist des Betrachters. Das Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Basrelief aus vergoldeter Bronze. Unten rechts signiert; Auflage 25/150 unten links. Dem Triptychon liegt ein Echtheitszertifikat des Seledi Arte Center in Mailand bei. Die Titel der drei Flachreliefs sind in der Beglaubigung abgebildet: Fortune, Stallion Fight, The Couple. Die Skulptur von Francesco Messina, die so voller Anklänge an das klassische griechisch-römische und hellenistische Erbe ist, „zeichnet sich“, schrieb Carlo Carrà, „durch einen einfachen und grandiosen Stil“ und durch eine „idealistische und klassische Vorgehensweise“ aus, die in der Lage ist, Formen Leben einzuhauchen die als „Idealbilder“ bleiben. Die drei Bronzetafeln sind in einem einzigen Rahmen montiert.

Alte Frau 1910

Farbstifte auf Papier. Unten rechts signiert und datiert. Auf der Rückseite befindet sich eine Kartusche mit dem Titel und dem Etikett der Bolzani Art Gallery in Mailand. Antonio Mancini war ein realistischer Maler, der an der neapolitanischen Schule von Morelli und Palizzi und später in Paris ausgebildet wurde. Er widmete sich hauptsächlich Porträts und Genreszenen mit populärem oder anekdotischem Geschmack, doch während er sich in einer anfänglichen Phase dem Naturalismus des 19 begann, mit verschiedenen Techniken zu experimentieren, indem er auf lebhafte Lichtblitze zurückgriff, die in Klumpen heftiger Farbe und leuchtender Strömung auf die Leinwand gebracht wurden, bis hin zur Verwendung außerbildlicher Materialien, wie farbigem Glas, und aufgeregte Figuren vorschlug, manchmal in fantasievollen Verkleidungen , ein Ausdruck seiner seelischen Not. Diese Zeichnung, die zur späteren Produktion gehört, zeigt das Gesicht einer älteren Frau (Ciociara laut Titel), dargestellt im Profil und umgeben von Farbtupfern, die einen nuancierten und lebendigen Heiligenschein erzeugen. Das Werk wird in einem zeitgenössischen Rahmen (mit kleinen Mängeln) präsentiert.