Antikes Gemälde Weiblicher Kopf A. Del Sarto Attr. Tempera auf Holz

Ölgemälde auf Leinwand. Emilianische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Hierbei handelt es sich um eine antike Kopie des berühmten Tafelgemäldes von Correggio mit dem Titel „Die Madonna von San Girolamo oder Il Giorno“, das aus der Zeit um 1528 stammt und heute in der Nationalgalerie von Parma aufbewahrt wird. Gegenstand der Darstellung ist die Präsentation des Heiligen Hieronymus vor Jesus über die Übersetzung der Bibel aus dem Hebräischen ins Volkslatein, ein Werk, das der Heilige im Auftrag von Papst Damasus durchführte und das er vollbrachte, indem er sich in der Einsamkeit in der Höhle von Bethlehem einschloss . Im Mittelpunkt des Gemäldes steht die sitzende Maria mit dem Jesuskind im Arm, um die sich im Halbkreis verschiedene Figuren gruppieren. Auf der linken Seite steht die mächtige Gestalt des alten Hieronymus, der das Kind anschaut, während er die Übersetzungsrolle in der Hand hält, während der Löwe, sein Einsiedlergefährte, zu seinen Füßen kauert. Auf der gleichen Seite hält ein Engel die Bibel und spricht lächelnd die Madonna mit Kind an. Auf der anderen Seite liegt Magdalena halb zurückgelehnt und umarmt liebevoll den Fuß des Babys, das wiederum ihr Haar streichelt, in einer intimen Geste, die die intensive Bindung zwischen den beiden Figuren unterstreicht. Hinter Magdalena rümpft ein kleiner Engel die Nase und schnüffelt am Salbglas des büßenden Heiligen. Die Szene befindet sich unter einem roten Vorhang, der den Blick auf eine große Landschaft freigibt. Correggios Gemälde war ein großer Erfolg, so dass zahlreiche Kopien und antike Nachbildungen existieren, darunter auch dieses hier vorgestellte. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem antiken zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Neapolitanische Schule des 17. Jahrhunderts. Eine Komposition aus bunten Blumen in hellen Farbtönen steht in einer Vase, die wie der Hintergrund schwarz ist, auf einem Marmorsockel, von dem nur der Sockel zu unterscheiden ist, da er mit einem ebenfalls schwarzen Stoff überzogen ist, von dem nur der Sockel schwarz ist Die goldenen Verzierungen stechen hervor und sind bereit, ein Spiel mit Kurven zu schaffen. Auf beiden Seiten der Oberseite ruhen zwei Vögel, links eine große Taube, die im Schnabel einen aus der Komposition gestohlenen Zweig hält, und rechts ein Rotkopfspecht. Am linken Rand öffnet sich eine Landschaft mit einem hohen, gebogenen Baum unter einem dunklen Himmel und einer Stadt im Hintergrund. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Kupfer. Flämische Schule des 17. Jahrhunderts. Das Gemälde, das mündlich Frans Francken dem Jüngeren (1581–1642) zugeschrieben wird, zeigt eine von Jesus vollbrachte wundersame Heilung: Während er mit seinen Jüngern geht, trifft er auf seinem Weg auf einen kranken Mann, der wahrscheinlich an Lepra leidet, einer Krankheit, die damit verbunden ist Isolation und Vertreibung aus der Stadt; Der Mann ruft Christus an, der das Wunder vollbringt und ihn heilt. Das Gemälde platziert das Ereignis am linken Rand der Szene im Vordergrund, wo die im typischen Stil der Zeit Christi gekleideten Figuren durch ihre leuchtenden Farben hervorstechen; Darüber hinaus ist die Landschaft, die den Rest der Szene ausfüllt, eindeutig nordisch, mit einem Fluss voller Wasser, der in einer Landschaft voller Vegetation fließt, und einer Stadt im Hintergrund unter Berggipfeln. Die bildliche Beschreibung der Vegetation ist akribisch und präzise, ​​reichhaltig und detailliert im Detail: der gebrochene Stamm im Vordergrund, die Wedel des großen Baumes hinter den Figuren, die hoch am Himmel fliegenden Vögel, die kleinen Blumen am Ufer Die Nuancen des Wassers, in dem sich Pflanzen und Wolken spiegeln, sind mit einer für die flämische Malerei typischen malerischen Raffinesse gemalt, die im Stil dem des großen Antwerpener Künstlers ähnelt. Das Gemälde wird in einem umfunktionierten antiken Rahmen präsentiert.

Kopie von Guido Reni

Ölgemälde auf Leinwand. Das Werk ist eine der zahlreichen Nachbildungen des berühmten Bologneser Malers Guido Reni (1574–1642) und seiner Werkstatt mit einigen Variationen. Die Komposition, in der die betende Jungfrau das schlafende Kind anbetet, gilt als eine Erfindung der brillanten Ader Renis, die nach dem großen Erfolg unter den damaligen Sammlern dann von anderen Autoren des 17. Jahrhunderts aufgegriffen wurde , unter denen der Name Giovan Battista Salvi, bekannt als „Il Sassoferrato“, hervorsticht. Die beiden berühmtesten Varianten dieser faszinierenden Szene zeigen die Jungfrau mit zum Gebet gefalteten Händen, die von Salvi übernommen wurde, oder die mit den Händen auf der Brust, wie diese, typischerweise von Reni. Andere Variationen betreffen die Position des Kopfes des schlafenden Christkindes, der wie in dieser Version nach oben gedreht und nicht zur Seite geneigt ist; Endlich ändern sich die Hintergrundstoffe. Doch auch in dieser Nachbildung sticht die Intensität der Szene hervor: Sie wird quer durch den ruhenden Körper des Kindes eingenommen, wo die göttliche Natur der menschlichen im Schlaf unterworfen ist; darüber, in einer schützenden und zugleich kontemplativen Geste geneigt, der Körper Mariens, der die ganze mütterliche Zärtlichkeit, aber auch in der Geste der Hände die Anbetung des fleischgewordenen Geheimnisses zum Ausdruck bringt, das der kleine Sohn darstellt. Die lebhaften Farben der Stoffe – das Kissen, auf dem Jesus liegt, der Vorhang dahinter, die Kleidung der Mutter – bringen die Helligkeit der Fleischtöne zur Geltung. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Italienische Schule des 18. Jahrhunderts. Im Porträt dieses Herrn sticht vor allem der Morgenmantel aus einem eleganten Blumenstoff hervor, dessen Ziegelrottöne an die Farbe der Perücke erinnern. Die Strenge der Pose und der strenge Blick der Figur kontrastieren geradezu mit der fast frivolen Eleganz seiner Kleidung. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Landschaft mit Figuren

Ölgemälde auf Leinwand. Die große Komposition stellt eine Landschaft mit einem großen Baum in der Mitte dar. Mit seinen spärlichen Ästen die darunter liegende Landschaft zu überragen, die von einem Bach durchzogen und von verschiedenen Gestalten geschäftiger oder ruhender Bürger belebt wird; Oben rechts steht eine Festung, die das Tal dominiert. Das bereits Peruzzini aus den Marken zugeschriebene Gemälde lässt sich aufgrund der schnellen und schlecht aggregierten Bildstriche durchaus auf dessen Umfeld zurückführen. Antonio Francesco spezialisierte sich auf die Landschaftsmalerei und stand unter dem Einfluss von Salvator Rosa und Landschaftsmalern wie Pietro Montanini und Pandolfo Reschi. Weitere Einflüsse erhielt er auch von in Italien tätigen nordischen Malern, vor allem von Pieter Mulier, bekannt als il Tempesta. Schon in seinen ersten Werken erkennt man die Originalität seiner Malerei durch eine schnelle Zeichnung und ein intensives und brillantes chromatisches Timbre. Die lange künstlerische Verbindung zwischen Antonio Francesco Peruzzini und Alessandro Magnasco begann Anfang der 1990er Jahre nach ihrer Begegnung in Mailand, wo Peruzzini sich niedergelassen hatte; Von dieser Zeit an scheint seine Malerei auseinanderzufallen, durch Formen, die dynamischer und leichter werden, fast phantastisch, um schließlich zu einem Stil zu gelangen, der durch eine immer stärkere Auflösung der Formen der Natur und ihrer Bewegung gekennzeichnet ist. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Allegorien der Klugheit und Gerechtigkeit

Öl auf Leinwand. Italienische Schule des 17. Jahrhunderts. Die beiden Gemälde gehören wahrscheinlich zu einer Gruppe, die die vier Kardinaltugenden Gerechtigkeit, Klugheit, Mäßigkeit und Tapferkeit darstellt. Die Allegorien werden in weiblichen Figuren dargestellt und tragen einige der attributiven Symbole der Tugenden, die sie darstellen. Gerechtigkeit wird an den beiden häufigsten Attributen erkannt: dem Gleichgewicht, Symbol für Gerechtigkeit und Ausgeglichenheit, und dem Schwert, Zeichen der Verteilungsmacht. Klugheit bringt auch zwei Symbole mit sich: einen Spiegel, ein Symbol der Umsicht, das es uns ermöglicht, die Fallstricke des Bösen zu vermeiden (es ermöglicht uns, hinter uns zu schauen) oder sogar ein Symbol der Selbsterkenntnis; und eine Schlange, Symbol der Ewigkeit und Zeit, aber auch ein Symbol der Klugheit (im Evangelium sagt Jesus: „Ich sende euch wie Schafe inmitten der Wölfe; seid also klug wie Schlangen und einfach wie Tauben“). Die beiden zuvor restaurierten und unterfütterten Leinwände sind in gutem Zustand. Sie werden in einem antiken geschnitzten und lackierten Holzrahmen präsentiert, mit aktuellen kleinen Mängeln und Beschädigungen.

Ölgemälde auf Leinwand. Mittelitalienische Schule des späten 17. und frühen 18. Jahrhunderts. Die Komposition schlägt in der Mitte eine weibliche Büste vor, die wie ein skulpturales Bildnis dargestellt wird, für die Monochromie, die an Marmor erinnert; Es ist von einer Girlande aus bunten Blumen umgeben, die sich von oben aus gedrehten Zweigen erstrecken, während im Hintergrund eine Landschaft verblasst. Diese Art von Porträt entstand aus einer Lösung, die im flämischen Umfeld entstand und von Daniel Seghers in Italien verbreitet wurde. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde weist leichte Farbverluste auf. Es wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Reduzierte Version eines Altarbildes von Girolamo Mazzola Bedoli

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Ganz im Vordergrund diese Szene einer Gruppe heiliger Figuren, die die Gesichter von Maria und dem Jesuskind in der Mitte darstellt, umgeben von dem jungen San Giovanni unten links und drei Engeln, die eine Krone bilden. Alle Figuren sind glücklich und lächeln, trotz der Anspielung auf die Leidenschaft, die der Stock mit dem Kreuz darstellt, den Johannes Jesus darbringt.Die Bewegung der Körper und die leuchtenden Farben lassen die Szene lebendig werden. Das Gemälde befindet sich noch auf der ersten Leinwand, ohne Anzeichen einer früheren Restaurierung. Es gibt mehrere Farbtropfen, die sich vor allem am unteren Rand und an den beiden Seiten verteilen. Es wird in einem antiken lackierten Holzrahmen präsentiert.