Pintura de Vicente March - Clase de canto

Las nueve musas

Jugo de hierba. La palabra Euterp aparece en la parte inferior derecha. El enorme jugo de hierba representa a las nueve Musas, divinidades femeninas griegas, todas hermanas, como hijas de Zeus y Mnemosyne, y teniendo como guía al dios Apolo. Representaban el ideal supremo del Arte, entendido como la verdad del "Todo" o la "eterna magnificencia de lo divino". Inicialmente consideradas de forma genérica como divinidades del canto y de las danzas alegres, encargadas de poner en música y en verso historias como el origen del mundo, el nacimiento de los dioses y de los hombres, las hazañas de Zeus, y frecuentemente representadas acompañadas de diversos instrumentos musicales. , a partir de la época helenística se les asociaron todas las expresiones cantosas y musicales, incluidas las tristes y funerarias, y otras artes como el teatro, y cada una de ellas se asoció a un género artístico específico, de modo que podían ser invocadas individualmente. para ejercer su inspiración y protección. La palabra "Euterp" hace referencia al nombre de uno de ellos, Euterpe, musa de la poesía lírica y de la música, representada tradicionalmente con una flauta; pero el nombre Euterpe significa etimológicamente "La que alegra", la que trae alegría, por lo que se puede pensar que la elección de este nombre para titular el tapiz se refiere a la función más antigua de las Musas, la de traer alegría a través del arte. En esta presentación, las musas aparecen bailando, ataviadas con velos y ramas floridas; en sus manos o colocados junto a ellas, aparecen instrumentos u otros objetos que simbolizan el arte que inspiran (máscaras teatrales tanto trágicas como cómicas, la paleta pictórica, instrumentos musicales diversos...). El cuadro de gran tamaño tiene signos de desgaste y manchas de humedad.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena se desarrolla cerca de un campamento militar: frente a una tienda de campaña, a la izquierda, un líder del ejército, probablemente griego, recibe ofrendas de un grupo de hombres, pobres y harapientos, que se postran ante el nuevo maestro; el primero extiende unas hogazas de pan, otro saca algo de un costal, el tercero muestra las heridas de su cuerpo para pedir misericordia; detrás de ellos se acercan otras figuras de mendigos, formando una línea dispersa en el camino que se pierde en la distancia a la derecha. Al fondo, a la izquierda, la vida en el campamento militar es muy animada. La pintura ha sido restaurada y revestida.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. El gran cuadro presenta como tema un conocido tema del Antiguo Testamento, la riqueza del rey Salomón, contada en el Primer Libro de los Reyes: "El rey Salomón superó, por tanto, en riqueza y sabiduría a todos los reyes de la tierra. parte de la tierra para acercarse a Salomón para escuchar la sabiduría que Dios había puesto en su corazón. Todos le traían, cada año, ofrendas de objetos de plata y de oro, vestidos, armas, especias, caballos y mulas". En el cuadro el rey, ricamente ataviado con los símbolos de la realeza (la corona, el cetro, el manto de armiño), escucha de pie a los postulantes que acuden a él para recibir los consejos dictados por su proverbial sabiduría, y a cambio le traen ofrendas acordes con su papel social: algunos agricultores traen como obsequio sacos de grano, fruto de su trabajo en el campo, otros levantan una copa en alto para atraer la atención del rey. Los colores y el estilo pictórico del cuadro hacen referencia a la producción del norte de Italia, especialmente veneciana. La pintura ha sido restaurada y revestida.

Seguidor de Pedro Pablo Rubens

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro deriva de la obra de Rubens (1577 -1640) conservada en el Museo del Prado de Madrid, reproducida en grabado por Paulus Poncio (1603 -1658), como también aparece en esta versión. El centro vertical de la escena ocupa la figura de María, cuyo rostro se inspiró en el de Isabel Brandt, primera esposa del pintor flamenco, fallecida en 1626 con apenas 35 años. La Virgen sostiene en brazos al Niño Jesús, que la mira a los ojos con ternura pero con seriedad, mientras una manita se coloca sobre el pecho desnudo de su madre, del que acaba de recibir alimento; detrás, de pie, santa Ana envuelve los hombros de su hija y de su nieto en un abrazo tierno y protector, sonriendo con suficiencia: al lado izquierdo, un poco separado y en la oscuridad, José observa pensativo y preocupado: la única figura humana que no entra en la luz que emana del rostro del Niño, irradiada sobre el de María y, por reflexión, también sobre el de Santa Ana. respecto a la obra del maestro, se respeta la composición de las figuras, pero varios detalles varían, en particular en los vestidos de Santa Ana, de María, en los drapeados que rodean las caderas del Niño, para apoyar la hipótesis de que se trata de una obra de seguidor del maestro flamenco. La pintura, restaurada y revestida, se encuentra en buen estado, con sólo una raya en el color en la parte superior central.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. La insólita y particular representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentado a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que están a punto de consumir (compuesta por fruta y pan); la escena, un tema poco representado y generalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven comida a la familia, tiene aquí en cambio un sabor de intimidad doméstica muy normal y sencilla. En cambio, todo lo que rodea a la Sagrada Familia destaca majestuosamente, la visión de una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentada según un hermoso efecto de perspectiva que conduce, abajo a la derecha, a los muros de entrada de una rica ciudad con torres, probablemente Jerusalén. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Atribuido a Domenico Lupini

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro representa un episodio de la mitología romana referente a la joven heroína romana Clelia, que fue entregada como rehén, junto con otras niñas, al rey etrusco Porsenna durante las negociaciones de paz con la ciudad; Sin embargo, Clelia logró escapar nadando a través del Tíber. Porsenna pidió su regreso a los romanos, quienes aceptaron, pero admirado por su heroísmo, decidió liberarla permitiéndole traer consigo a otros prisioneros, a quienes Clelia eligió entre los más jóvenes. El momento representado en el cuadro es precisamente el del cruce del río, del que está la personificación en primer plano a la derecha, en la figura del anciano canoso, acompañado de una joven de la cornucopia. La escena es muy dinámica, con Clelia y las demás niñas creando un grupo numeroso y animado alrededor del caballo montado por la protagonista, como recuerdan algunas versiones de la historia; detrás de ellos las tiendas del campamento del rey etrusco con algunos soldados. Al otro lado del río hay otro grupo de mujeres que ya han cruzado, mientras que al fondo se puede ver la ciudad capitolina de aspecto clásico. La obra, como atestigua un pequeño pergamino, se atribuye a Domenico Lupini, un artista del que no se sabe mucho pero cuyo ámbito de actividad se puede suponer entre Bérgamo y Venecia. Las dos únicas obras firmadas son una "Magdalena convertida" y una "Anunciación", pero la erudita Federica Nurchis le ha atribuido otras obras y las ha colocado en el monasterio de Santa Chiara en Bérgamo. El cuadro presenta un cromatismo cálido y refinado que, junto con la elegancia de los personajes y el método compositivo, sugieren una estancia veneciana de Lucini, que parece recordar las atmósferas de Tintoretto, Veronese y Palma il Giovane. La pintura presenta signos de restauración y rebase.

Atribuido a Domenico Lupini

Pintura al óleo sobre lienzo. El modelo deriva de un grabado de Marcantonio Raimondi basado en un dibujo de Rafael, creado especialmente para la obra gráfica, y derivado de una pintura ubicada en la Stanza della Segnatura (1513-1515) en los Museos Vaticanos. Este modelo fue posteriormente retomado y variado tanto en las pinturas como en otros grabados, en particular en el de Raphael Sadeler de 1589, actualmente en el Gabinete de Dibujos y Grabados de la Accademia Carrara de Bérgamo: la pintura aquí propuesta muestra de hecho el Los mismos cambios realizados en comparación con el original rafaelesco. En el centro de la escena mitológica inmersas en un paisaje natural, se encuentran las tres diosas que compiten por el título de las más bellas: Juno con el pavo real, su animal simbólico, Venus acompañada de Cupido, y Minerva junto a la cual se encuentra el casco. la lanza y el escudo. París, de espaldas, entrega la manzana dorada que declara vencedora a la diosa del amor, bajo la mirada del juez Mercurio. Dos amorcillos revolotean alrededor de los protagonistas, mientras en primer plano, siempre de espaldas, aparece una figura masculina. En el césped de atrás hay un internado rural. La obra, como lo atestigua un pequeño pergamino, se atribuye a Domenico Lupini, un artista del que no se sabe mucho pero cuyo ámbito de actividad se puede suponer entre Bérgamo y Venecia. Las dos únicas obras firmadas son una "Magdalena convertida" y una "Anunciación", pero la erudita Federica Nurchis le ha atribuido otras obras y las ha colocado en el monasterio de Santa Chiara en Bérgamo. El cuadro presenta un cromatismo cálido y refinado que, junto con la elegancia de los personajes y el método compositivo, sugieren una estancia veneciana de Lucini, que parece recordar las atmósferas de Tintoretto, Veronese y Palma il Giovane. La pintura presenta signos de restauración y rebase.

Témpera sobre madera que representa una figura femenina de medio cuerpo; lleva un vestido rojo sobre una túnica de color claro, mientras que un paño verde descansa sobre su hombro derecho. El cabello rojo está recogido en una raya central y está parcialmente cubierto por un tocado blanco; el rostro lleno tiene una expresión absorta: la mirada pensativa, las cejas arqueadas y los labios ligeramente fruncidos. Presentado en un marco realizado con partes de un marco antiguo de mayor tamaño.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVII. Una composición de flores abigarradas, en tonos claros, se coloca en un jarrón, negro como el fondo, sobre una base de mármol, de la que sólo se distingue la base, porque está cubierta con una tela también negra, de la que sólo Destacan las pasamanerías doradas dispuestas a crear un juego de curvas; Dos pájaros descansan a ambos lados de la parte superior, una gran paloma a la izquierda sosteniendo en su pico una ramita robada de la composición y un pájaro carpintero pelirrojo a la derecha. En el margen izquierdo se abre un paisaje, con un árbol alto y curvo bajo un cielo oscuro, y una ciudad al fondo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX.