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Vienne, premier trimestre '800

Grande pendule de temple à large base rectangulaire en bois soutenue par quatre pieds circulaires en bronze doré. Quatre colonnes en albâtre avec socle en bronze doré finement ciselé et chapiteau reposant sur le socle. Une coupole sommitale en bois accueille l'horloge. Un affichage des heures et des jours du mois en chiffres romains est enfermé dans un cadre en bronze doré. Au centre du cadran, la marque du fabricant "IA Hoyer in Wien". Mécanisme à sonnerie à quart et deux carillons dont date.

France Napoléon III

Paire de flambeaux en bronze ciselé, doré et bruni. Sur une base triangulaire en bronze doré et marbre jaune de Sienne repose un flambeau à cinq flammes aux pieds pattes sauvages.

Lombardie fin XVIIIe siècle

Commode marquetée. Trois tiroirs en façade, pieds pyramidaux tronqués. Placage de noyer et ronce de noyer avec filets d'érable et palissandre. Sur le dessus se trouve une incrustation représentant une scène bucolique, en façade des médaillons positionnés au centre des tiroirs représentant un paysage et sur les côtés une incrustation représentant un musicien au tambourin et fils de cyprès. Pieds pyramidaux tronqués décorés de corbeaux marquetés et de rosaces de liaison. Poignées ornementales en tôle gaufrée de l'époque pour former des motifs végétaux, serrures en fer dont une a été remplacée. Intérieur en sapin. Restaurations.

Jésus Devant Caïfa

Huile sur toile. Le tableau reprend l'œuvre du maître hollandais Gerrit Van Honthorst, créé en 1617 et aujourd'hui conservé à la National Gallery de Londres. Néerlandais de naissance, van Honthorst arrive à Rome peu après la mort du Caravage, dont il assimile le style, ce qui lui vaut le surnom de "Gherardo delle Notti". A Rome, l'artiste a été accueilli par la famille Giustiniani, qui a commandé l'œuvre pour sa collection privée, où elle est restée jusqu'en 1804. D'abord apportée à Paris dans la collection Bonaparte, après de nouveaux changements de propriétaire, elle est finalement arrivée à Londres en 1922. Le tableau raconte l'épisode dramatique de la rencontre entre le prêtre Caïphe et Jésus, lors de son La passion. Toute la partie supérieure est occupée par l'obscurité : le vide, le néant, concentrent l'attention sur les deux protagonistes et sur le drame qui se déroule. La scène est très statique, presque figée dans un moment précis, l'acte accusateur du prêtre contre le Christ, soulignant l'intensité du drame intérieur profondément douloureux. Dans la scène, Caïphe est à gauche, assis à la table sur laquelle est posé le livre de la loi juive, et lève le doigt d'un ton accusateur ; Jésus est à droite, debout, les mains liées, dans une attitude humble. Au centre une bougie, seule source de lumière, qui fait le lien entre le visage de Caïphe et celui de Jésus, qui se rencontrent dans un jeu de regards selon une ligne diagonale, et dont la lumière artificielle souligne impitoyablement l'expressivité, Contraste grotesque et colérique celui du prêtre, souffrant, mais lumineux et posé celui du Christ. En arrière-plan, derrière les deux protagonistes, se trouvent les figures d'autres grands prêtres. Ils ne sont que des ombres dans l'obscurité, en attente de jugement et leurs visages sont plongés dans l'obscurité qui augmente la tension. L'empreinte caravagesque se perçoit clairement dans le contraste des lumières et des ombres, dans l'intensité des regards. La toile proposée ici, environ la moitié de la taille de l'original, mais fidèle dans ses formes stylistiques et interprétatives, a probablement été commandée dans des formats plus petits par ceux qui avaient apprécié l'original au Palazzo Giustiniani. Il a été restauré et regarni au XIXe siècle. Certains noms sont écrits au dos, indiquant la propriété. Cadre en style.

Catane Troisième Quart XIXe Siècle

Paire de grands miroirs éclectiques en bois sculpté et doré, ayant appartenu à la famille sicilienne Reforgiato, Catane troisième quart du XIXe siècle. Cimasa composée de spirales phytomorphes, au centre desquelles se dresse le blason héraldique de la famille Reforgiato : "jumeau abaissé dans une bande bleue sur argent, flamme rouge posée sur le jumeau surmonté d'une couronne d'or et d'une queue de comète rouge posée sur le droit en bande."le blason, placé entre les éléments en forme de C" et curl, a une couronne au sommet symbolisant le noble titre de baron. De la cymatium, des festons floraux sont suspendus sur les côtés, tandis que le cadre en forme est orné d'un motif de frettes de feuilles d'acanthe insérées entre les moulures. L'appareil décoratif est complété par des touffes foliacées placées aux extrémités inférieures. Miroirs biseautés.

France milieu du XIXe siècle

Pendule en bronze ciselé et doré. La décoration complexe de cette horloge sur l'éclectisme apparent de l'ensemble fait prévaloir les typologies structurelles et les détails figuratifs typiques de l'architecture du XVIe siècle, proposant la façade d'un bâtiment avec un escalier central et des statues de vestales sur les côtés. L'exposition en métal émaillé a la marque du fabricant au centre mais peu lisible. L'horloge est surmontée de putti tenant une couronne. Mouvement marqué Cailly Ainè 1839 au dos du cadran.

Paysage de rivière avec bergère enfant et troupeaux

Huile sur toile. La peinture est accompagnée de l'expertise de deux historiens de l'art, dr. Dario Succi et le Dr Federica Spadotto. Tous deux confirment l'attribution du tableau à Giuseppe Zais, "le maître de Belluno unanimement reconnu comme l'un des interprètes les plus originaux et authentiques de la grande peinture de paysage du XVIIe siècle vénitien". Dans le paysage, sous les branches d'un arbre qui encadre à gauche et sur fond de montagnes bleues, une bergère et son petit-fils se détachent au premier plan, faisant abreuver leurs animaux (moutons et vaches) de la rivière. les Zaïs, après une formation initiale dans son pays natal à l'école de son compatriote Marco Ricci, qui s'installa à Venise en 1732, entrent bientôt dans les rangs des architectes paysagistes lagunaires, appréciés et engagés pour de grands travaux de décoration dans les palais de la ville. Dans les années 1970, les Zaï abandonnent cette production et choisissent de se consacrer uniquement à de petites œuvres, qui traduisent une adhésion au monde des humbles et une dimension contemplative du passé, sujets rarement présents dans les tableaux de clients importants. Le travail présenté ici peut être considéré comme un exemple de cette dernière phase de création, selon les historiens de l' art dans les années 70 du XVIIIe siècle: le Zais propose un paysage Foothill plutôt aride, où la bergère suivie par son petit fils jouer leur mission, sans toute concession à une beauté idéale, mais plutôt avec le rappel d'une vraie vie précise, dure, simple, faite d'effort et d'affection à la fois. Même les couleurs de la toile renforcent l'empathie de l'artiste pour le monde qu'il dépeint : les tons chauds et dorés du paysage, illuminés par le bleu des sommets lointains réverbérant celui du ciel, enveloppent les figures humaines et animales au premier plan, qu'ils émergent grâce à des coups de pinceau matériel et plus lumineux , mais pas des couleurs vives, en particulier dans la toison des animaux et des vêtements de femmes. Les visages zaïs sont aussi singuliers, ronds et pleins, aux traits qui se répètent toujours à l'identique dans les figures paysannes de ses œuvres, associés à des corps tournés, vêtus de vêtements qui ressemblent à du papier mâché. L'œuvre montre des traces de restauration, bien qu'encore sur la première toile. Au dos il y a une inscription en allemand avec le nom de l'ancien propriétaire et la date "Noël 1977". Il est présenté dans un cadre doré du début des années 1900, avec de petits éclats et manques.

XIX Siècle / 1801 - 1900

Pendule de table en bronze à patine sombre et dorée. Deux angelots assis et occupés à écrire flanquent l'horloge. L'affichage des heures en chiffres romains en métal émaillé est enfermé dans une couronne de bronze doré. Au sommet il y a une statue d'un empereur ; la couronne, le manteau d'hermine, le bâton avec la main bénissante sont une référence forte à la figure de Napoléon l'Empereur. Le traitement au burin répandu doit être souligné.

Peinture à l'huile sur toile. La vue dégagée sur les Forums impériaux de Rome fait partie de la vaste production de paysage de la période Grand Tour, destinée aux riches aristocrates européens voyageant en Europe - et notamment en Italie, où a été considéré comme Rome un must - qui voulait un souvenir du lieux visités. Les Forums impériaux romains sont un complexe architectural composé d'une série de bâtiments et de places monumentaux, le centre de l'activité politique de la Rome antique, construit sur une période d'environ 150 ans, entre 46 av. et 113 après JC Malgré les agrandissements, les incendies, les restaurations et les reconstructions, durant l'Antiquité les Forums impériaux ont conservé intactes tant leur conformation architecturale que leur fonction. Leur destruction quasi définitive eut lieu à la Renaissance aux mains du pape Jules II (1503-1513), qui utilisa toute la zone comme carrière de matériaux à réutiliser dans la construction et la rénovation artistique de la ville qu'il a initiée. Les protestations d'artistes de premier plan tels que Raphaël et Michel-Ange ont été de peu d'utilité. Au cours des siècles suivants, diverses campagnes de fouilles ont été entreprises, avec une plus grande vigueur à partir du XIXe siècle, mais la zone a été complètement fouillée au début du XXe siècle et l'architecture ancienne a été presque complètement effacée pour faire place à la construction de via dei Fori Imperiali, qui relie la Piazza Venezia avec le Colisée. Le Forum a été redécouvert à partir du XVIe siècle également grâce aux peintres de vues romains qui, à l'époque, aimaient peindre les ruines émergeant dans la zone de pâturage. La vue proposée ici présente les Forums impériaux avant les fouilles commencées au XIXe siècle, alors que la route qui les traverse encore n'avait pas encore été construite : ils sont encore entourés d'une campagne verdoyante et les collines romaines se détachent en arrière-plan. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre restauré du XIXe siècle.

Italie Dernier Quart XVIII Siècle

Elegant console soetenue par balustre avec trois étagères, dessus semicirculaire avec marbre bardiglio. Haut miroir avec têtes en patte de lion, festons et au centre le visage de Mercurio. Richement sculpté avec cordons, élements foliacés et cadres. Laqué en bichromie et doré. Fabriqué en Italie. Dernier quart '700.

XIX Siècle / 1801 - 1900

Modèle d'armure de style Néo-Renaissance de la fin du 19ème siècle. Toutes les surfaces sont gravées de motifs phytomorphes. Casque arrondi avec écusson côtelé; ventilateur avec de petits trous circulaires pour la vue. Goélette Crewneck présente uniquement dans la lame avant, façonnée sur cinq côtés. Coffre nervuré au milieu avec décoration centrale représentant un bouclier à trois pointes avec une bande centrale oblique, trois fleurs dans la réserve supérieure et un poisson dans la réserve inférieure. Bretelles à trois lames avec ailes de cou, joignent les bracelets, cubitiere, canon anti-bras. Boutons à manches évasées. Une lame de panziera dans laquelle les deux côtés d'une seule lame sont insérés. Cuissardes, genouillères à trois lames (dont la centrale est côtelée au milieu) et leggings fermés. Chaussures à quatre lames, dont la dernière s'allonge en une forme conique incurvée vers le bas. Bouclier scapezzato à trois pointes à bordure torsadée, également gravé de motifs phytomorphes et d'un décor similaire à celui de la poitrine. Le même décor se retrouve également sur la lame de la hallebarde.

Paysage avec des personnages à la rivière

Huile sur toile. Le vaste paysage est centré sur la rivière qui se jette dans la vallée riche en végétation. Le long de son parcours, au premier plan, des femmes lavent le linge. Les traits picturaux, rapides et peu agrégés, renvoient à la production d'Antonio Francesco Peruzzini, appartenant à une famille de peintres originaires de Pesaro, dont son père Domenico et ses fils Giovanni, Antonio Francesco et Paolo, actifs dans la région des Marches et en villes italiennes comme Rome. Bologne, Turin et Milan, au cours du XVIIe siècle et le premier quart du dix - huitième. La production d'Antonio Francesco est souvent associée à celle de son frère Giovanni, les deux ayant travaillé ensemble. Antonio Francesco s'est spécialisé dans la peinture de paysage, sous l'influence de Salvator Rosa et d'architectes paysagistes tels que Pietro Montanini et Pandolfo Reschi, et d'autres influences sont également venues de peintres nordiques actifs en Italie, en particulier de Pieter Mulier connu sous le nom de Tempesta. Dans ses premières œuvres, l'originalité de sa peinture se distingue déjà par une rédaction rapide et un timbre chromatique intense et brillant. Dès le début des années 90, le long lien artistique entre Antonio Francesco Peruzzini et Alessandro Magnasco a commencé, suite à leur rencontre à Milan, où Peruzzini s'était installé; à partir de cette période sa peinture semble se désagréger, à travers des formes qui deviennent plus dynamiques et légères, presque fantastiques, pour arriver enfin à un style marqué par une désintégration toujours plus grande des formes de la nature et de leur mouvement. Restaurée et regarnisée, l'œuvre est présentée dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. L'ensemble de la scène est jouée sur le clair-obscur du noir et du rouge, avec des flammes de feu qui fait toujours rage entre les tours et les clochers de la ville: au premier plan, les chiffres d'Énée avec son père Anchise sur son épaule, et son petit fils Ascagne à ses côtés alors qu'ils fuient la ville; à droite, au deuxième étage, le cheval de Troie. Bien que près du même objet d'Alessio De Marchis (1684-1752), la peinture se réfère également que le style de la peinture flamande. Restauré et ritelato. Il est présenté dans l'ancien cadre.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord. La représentation de la Nativité est vue ici comme un moment contemplatif du Saint Enfant, par Marie et Joseph, accompagnés de petits anges. Les voies picturales reprennent celles de modèles largement reproduits, partant de Correggio, de Barocci, pour arriver aux nombreuses versions de Gherardo delle notte, ou du peintre flamand Gerard Von Honthorst, représentatif du ténébrisme, courant pictural qui jouait sur de forts contrastes d\'obscurité. et la lumière, la lumière et l\' obscurité. Dans cette œuvre aussi, la lumière rayonnée par l\'Enfant Jésus illumine les personnages qui l\'entourent et les fait émerger des ténèbres environnantes. L\'œuvre restaurée et regarnisée est présentée dans un cadre du XIXe siècle.

Scène de siège

Huile sur toile. A l'extérieur des fortifications d'une ville, un chef, entouré de ses soldats, s'apprête à allumer la mèche du canon. L'armée défend la citadelle en dehors des murs et les soldats scrutent l'horizon à la recherche vers le bas: ce qui nous conduit à placer la scène sur les fortifications d'une ville, en particulier ceux de Gênes qui montent sur les montagnes derrière et à partir de laquelle les Génois défendait la ville des attaques de la mer; l'emplacement à Gênes est attesté par la bannière qui flotte au-dessus des murs, le drapeau Croce di San Giorgio (croix rouge sur fond blanc) de la République de Gênes. La forme de l'armure, des armes et des vêtements ferait référence au siège de Gênes en 1522. Il s'agit donc de la représentation au XIXe siècle d'un épisode historique, qui fait donc partie de cette production picturale répandue en Italie au XIXe siècle, inspirée par le nouveau roman historique proposé par la littérature. Au dos du cadre se trouve le nom G. Boni, accompagné d'un numéro faisant référence à la participation à une exposition officielle. Giovanni Boni fut un élève de l'Académie de Brera, en particulier un disciple de Giuseppe Sogni, un artiste qui, parmi les premiers, privilégiait la peinture historique dans ses déclinaisons romantiques innovantes. On ne sait pas grand-chose de Boni, ni du point de vue biographique ni de sa production. De son attribution certaine, nous ne connaissons que le Nu d'homme (académie peint) avec lequel il remporta le premier prix de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. L'œuvre exprime les figures et le pathétique de la scène avec une efficacité expressive ; les personnages au premier plan sont très bien caractérisés dans leurs poses, leurs expressions, dans les détails des vêtements et des armes, tandis que les autres personnages se fondent dans l'arrière-plan, suggérant la présence d'une grande armée. Le tableau, toujours sur la première toile, montre de petites gouttes diffuses de couleur. Il est présenté dans un cadre élégant.

Italie, XXe Siècle

Service de couverts en argent pour douze personnes composé de 15 couverts de service, 24 couteaux, 24 fourchettes, 12 cuillères, 12 couteaux à fruits, 12 fourchettes à fruits, 12 couteaux à poisson, 12 fourchettes à poisson, 12 cuillères à thé, 12 cuillères à café, 12 couteaux à dessert, 12 fourchettes à dessert. Poinçon d'argent et d'orfèvre gravé sur chaque couvert. 6665 grammes net de couteaux. Le service est présenté en quatre cases.

Groupe de chaises pliantes avec dossier et assise en lattes courbées en chêne massif, finition cirée.

Lombardie Premier Quart XVIII Siècle

Ensemble composé d'une chaise haute et de quatre chaises en noyer sculpté, laqué et partiellement doré, Lombardie, premier quart du XVIIIe siècle. Accoudoirs et sous-accoudoirs de la chaise haute déplacés, les pieds et la traverse avant présentent les typiques volutes de feuilles d'acanthe entrelacées d'origine fantonienne, les pieds sculptés en volute. Dossiers et assises tapissés et recouverts de cuir finement gaufré avec motifs décoratifs partiellement dorés. Petits manques à la ciselure ; défauts de dorure et de laquage. Un groupe de sièges similaires fait partie de la collection du Musée des arts appliqués, dans le complexe muséal du Castello Sforzesco à Milan.

Lombardie Milieu du XVIIIe siècle

Canapé baroque à oreilles en noyer, Lombardie milieu du XVIIIe siècle. Accoudoirs courbés, pieds ondulés finis ouverts ; sculptures de feuilles et de coquillages sur les bandes et les jambes. Dossier, accoudoirs et assise rembourrés. Pieds arrière avec restaurations.

Paris 1809-1819

Flacon à vinaigre en argent fondu, repoussé et ciselé, ampoules en cristal taillé non contemporaines. Paris, maître orfèvre « SJ Dupezard », premier quart du XIXe siècle. Modèle élégant à corps principal en forme de plinthe soutenu par quatre pattes sauvages placées aux angles, quatre compartiments circulaires, dont les deux plus grands contiennent chacun une ampoule, chacun composé de trois putti musiciens au corps en forme d'herme. Section centrale avec dauphin néoclassique appliqué, bandeau de liaison orné d'hymnes et d'une paire de masques représentant le dieu grec Dionysos, colonne surélevée avec un sommet de trois quarts de sphère culminant avec une figure d'un garçon vêtu de vêtements à l'ancienne, qui soutient la poignée pour la prise. Appareil décoratif complété par des feuilles grecques, des perles et des applications florales placées sur les deux côtés longs du socle de la base. Monogramme gravé ; il comporte les poinçons de l'orfèvre, le titre, la garantie de la ville et un non officiel utilisé par l'Association des Orfèvres. 756 grammes.