SECTION ART

Jésus Devant Caïfa

Huile sur toile. Le tableau reprend l'œuvre du maître hollandais Gerrit Van Honthorst, créé en 1617 et aujourd'hui conservé à la National Gallery de Londres. Néerlandais de naissance, van Honthorst arrive à Rome peu après la mort du Caravage, dont il assimile le style, ce qui lui vaut le surnom de "Gherardo delle Notti". A Rome, l'artiste a été accueilli par la famille Giustiniani, qui a commandé l'œuvre pour sa collection privée, où elle est restée jusqu'en 1804. D'abord apportée à Paris dans la collection Bonaparte, après de nouveaux changements de propriétaire, elle est finalement arrivée à Londres en 1922. Le tableau raconte l'épisode dramatique de la rencontre entre le prêtre Caïphe et Jésus, lors de son La passion. Toute la partie supérieure est occupée par l'obscurité : le vide, le néant, concentrent l'attention sur les deux protagonistes et sur le drame qui se déroule. La scène est très statique, presque figée dans un moment précis, l'acte accusateur du prêtre contre le Christ, soulignant l'intensité du drame intérieur profondément douloureux. Dans la scène, Caïphe est à gauche, assis à la table sur laquelle est posé le livre de la loi juive, et lève le doigt d'un ton accusateur ; Jésus est à droite, debout, les mains liées, dans une attitude humble. Au centre une bougie, seule source de lumière, qui fait le lien entre le visage de Caïphe et celui de Jésus, qui se rencontrent dans un jeu de regards selon une ligne diagonale, et dont la lumière artificielle souligne impitoyablement l'expressivité, Contraste grotesque et colérique celui du prêtre, souffrant, mais lumineux et posé celui du Christ. En arrière-plan, derrière les deux protagonistes, se trouvent les figures d'autres grands prêtres. Ils ne sont que des ombres dans l'obscurité, en attente de jugement et leurs visages sont plongés dans l'obscurité qui augmente la tension. L'empreinte caravagesque se perçoit clairement dans le contraste des lumières et des ombres, dans l'intensité des regards. La toile proposée ici, environ la moitié de la taille de l'original, mais fidèle dans ses formes stylistiques et interprétatives, a probablement été commandée dans des formats plus petits par ceux qui avaient apprécié l'original au Palazzo Giustiniani. Il a été restauré et regarni au XIXe siècle. Certains noms sont écrits au dos, indiquant la propriété. Cadre en style.

Paysage de rivière avec bergère enfant et troupeaux

Huile sur toile. La peinture est accompagnée de l'expertise de deux historiens de l'art, dr. Dario Succi et le Dr Federica Spadotto. Tous deux confirment l'attribution du tableau à Giuseppe Zais, "le maître de Belluno unanimement reconnu comme l'un des interprètes les plus originaux et authentiques de la grande peinture de paysage du XVIIe siècle vénitien". Dans le paysage, sous les branches d'un arbre qui encadre à gauche et sur fond de montagnes bleues, une bergère et son petit-fils se détachent au premier plan, faisant abreuver leurs animaux (moutons et vaches) de la rivière. les Zaïs, après une formation initiale dans son pays natal à l'école de son compatriote Marco Ricci, qui s'installa à Venise en 1732, entrent bientôt dans les rangs des architectes paysagistes lagunaires, appréciés et engagés pour de grands travaux de décoration dans les palais de la ville. Dans les années 1970, les Zaï abandonnent cette production et choisissent de se consacrer uniquement à de petites œuvres, qui traduisent une adhésion au monde des humbles et une dimension contemplative du passé, sujets rarement présents dans les tableaux de clients importants. Le travail présenté ici peut être considéré comme un exemple de cette dernière phase de création, selon les historiens de l' art dans les années 70 du XVIIIe siècle: le Zais propose un paysage Foothill plutôt aride, où la bergère suivie par son petit fils jouer leur mission, sans toute concession à une beauté idéale, mais plutôt avec le rappel d'une vraie vie précise, dure, simple, faite d'effort et d'affection à la fois. Même les couleurs de la toile renforcent l'empathie de l'artiste pour le monde qu'il dépeint : les tons chauds et dorés du paysage, illuminés par le bleu des sommets lointains réverbérant celui du ciel, enveloppent les figures humaines et animales au premier plan, qu'ils émergent grâce à des coups de pinceau matériel et plus lumineux , mais pas des couleurs vives, en particulier dans la toison des animaux et des vêtements de femmes. Les visages zaïs sont aussi singuliers, ronds et pleins, aux traits qui se répètent toujours à l'identique dans les figures paysannes de ses œuvres, associés à des corps tournés, vêtus de vêtements qui ressemblent à du papier mâché. L'œuvre montre des traces de restauration, bien qu'encore sur la première toile. Au dos il y a une inscription en allemand avec le nom de l'ancien propriétaire et la date "Noël 1977". Il est présenté dans un cadre doré du début des années 1900, avec de petits éclats et manques.

Peinture à l'huile sur toile. La vue dégagée sur les Forums impériaux de Rome fait partie de la vaste production de paysage de la période Grand Tour, destinée aux riches aristocrates européens voyageant en Europe - et notamment en Italie, où a été considéré comme Rome un must - qui voulait un souvenir du lieux visités. Les Forums impériaux romains sont un complexe architectural composé d'une série de bâtiments et de places monumentaux, le centre de l'activité politique de la Rome antique, construit sur une période d'environ 150 ans, entre 46 av. et 113 après JC Malgré les agrandissements, les incendies, les restaurations et les reconstructions, durant l'Antiquité les Forums impériaux ont conservé intactes tant leur conformation architecturale que leur fonction. Leur destruction quasi définitive eut lieu à la Renaissance aux mains du pape Jules II (1503-1513), qui utilisa toute la zone comme carrière de matériaux à réutiliser dans la construction et la rénovation artistique de la ville qu'il a initiée. Les protestations d'artistes de premier plan tels que Raphaël et Michel-Ange ont été de peu d'utilité. Au cours des siècles suivants, diverses campagnes de fouilles ont été entreprises, avec une plus grande vigueur à partir du XIXe siècle, mais la zone a été complètement fouillée au début du XXe siècle et l'architecture ancienne a été presque complètement effacée pour faire place à la construction de via dei Fori Imperiali, qui relie la Piazza Venezia avec le Colisée. Le Forum a été redécouvert à partir du XVIe siècle également grâce aux peintres de vues romains qui, à l'époque, aimaient peindre les ruines émergeant dans la zone de pâturage. La vue proposée ici présente les Forums impériaux avant les fouilles commencées au XIXe siècle, alors que la route qui les traverse encore n'avait pas encore été construite : ils sont encore entourés d'une campagne verdoyante et les collines romaines se détachent en arrière-plan. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre restauré du XIXe siècle.

Paysage avec des personnages à la rivière

Huile sur toile. Le vaste paysage est centré sur la rivière qui se jette dans la vallée riche en végétation. Le long de son parcours, au premier plan, des femmes lavent le linge. Les traits picturaux, rapides et peu agrégés, renvoient à la production d'Antonio Francesco Peruzzini, appartenant à une famille de peintres originaires de Pesaro, dont son père Domenico et ses fils Giovanni, Antonio Francesco et Paolo, actifs dans la région des Marches et en villes italiennes comme Rome. Bologne, Turin et Milan, au cours du XVIIe siècle et le premier quart du dix - huitième. La production d'Antonio Francesco est souvent associée à celle de son frère Giovanni, les deux ayant travaillé ensemble. Antonio Francesco s'est spécialisé dans la peinture de paysage, sous l'influence de Salvator Rosa et d'architectes paysagistes tels que Pietro Montanini et Pandolfo Reschi, et d'autres influences sont également venues de peintres nordiques actifs en Italie, en particulier de Pieter Mulier connu sous le nom de Tempesta. Dans ses premières œuvres, l'originalité de sa peinture se distingue déjà par une rédaction rapide et un timbre chromatique intense et brillant. Dès le début des années 90, le long lien artistique entre Antonio Francesco Peruzzini et Alessandro Magnasco a commencé, suite à leur rencontre à Milan, où Peruzzini s'était installé; à partir de cette période sa peinture semble se désagréger, à travers des formes qui deviennent plus dynamiques et légères, presque fantastiques, pour arriver enfin à un style marqué par une désintégration toujours plus grande des formes de la nature et de leur mouvement. Restaurée et regarnisée, l'œuvre est présentée dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. L'ensemble de la scène est jouée sur le clair-obscur du noir et du rouge, avec des flammes de feu qui fait toujours rage entre les tours et les clochers de la ville: au premier plan, les chiffres d'Énée avec son père Anchise sur son épaule, et son petit fils Ascagne à ses côtés alors qu'ils fuient la ville; à droite, au deuxième étage, le cheval de Troie. Bien que près du même objet d'Alessio De Marchis (1684-1752), la peinture se réfère également que le style de la peinture flamande. Restauré et ritelato. Il est présenté dans l'ancien cadre.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord. La représentation de la Nativité est vue ici comme un moment contemplatif du Saint Enfant, par Marie et Joseph, accompagnés de petits anges. Les voies picturales reprennent celles de modèles largement reproduits, partant de Correggio, de Barocci, pour arriver aux nombreuses versions de Gherardo delle notte, ou du peintre flamand Gerard Von Honthorst, représentatif du ténébrisme, courant pictural qui jouait sur de forts contrastes d\'obscurité. et la lumière, la lumière et l\' obscurité. Dans cette œuvre aussi, la lumière rayonnée par l\'Enfant Jésus illumine les personnages qui l\'entourent et les fait émerger des ténèbres environnantes. L\'œuvre restaurée et regarnisée est présentée dans un cadre du XIXe siècle.

Scène de siège

Huile sur toile. A l'extérieur des fortifications d'une ville, un chef, entouré de ses soldats, s'apprête à allumer la mèche du canon. L'armée défend la citadelle en dehors des murs et les soldats scrutent l'horizon à la recherche vers le bas: ce qui nous conduit à placer la scène sur les fortifications d'une ville, en particulier ceux de Gênes qui montent sur les montagnes derrière et à partir de laquelle les Génois défendait la ville des attaques de la mer; l'emplacement à Gênes est attesté par la bannière qui flotte au-dessus des murs, le drapeau Croce di San Giorgio (croix rouge sur fond blanc) de la République de Gênes. La forme de l'armure, des armes et des vêtements ferait référence au siège de Gênes en 1522. Il s'agit donc de la représentation au XIXe siècle d'un épisode historique, qui fait donc partie de cette production picturale répandue en Italie au XIXe siècle, inspirée par le nouveau roman historique proposé par la littérature. Au dos du cadre se trouve le nom G. Boni, accompagné d'un numéro faisant référence à la participation à une exposition officielle. Giovanni Boni fut un élève de l'Académie de Brera, en particulier un disciple de Giuseppe Sogni, un artiste qui, parmi les premiers, privilégiait la peinture historique dans ses déclinaisons romantiques innovantes. On ne sait pas grand-chose de Boni, ni du point de vue biographique ni de sa production. De son attribution certaine, nous ne connaissons que le Nu d'homme (académie peint) avec lequel il remporta le premier prix de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. L'œuvre exprime les figures et le pathétique de la scène avec une efficacité expressive ; les personnages au premier plan sont très bien caractérisés dans leurs poses, leurs expressions, dans les détails des vêtements et des armes, tandis que les autres personnages se fondent dans l'arrière-plan, suggérant la présence d'une grande armée. Le tableau, toujours sur la première toile, montre de petites gouttes diffuses de couleur. Il est présenté dans un cadre élégant.

Chasse au chevreuil

Huile sur toile. La scène, située dans une campagne boisée, près des ruines architecturales, est centrée sur le groupe de chasseurs vif et riche, vêtus à la manière des chevaliers, qui armés d'épées et de lances et avec l'aide des chiens donnent le coup de grâce au cerf maintenant blessé et angoissant. Le grand format met en valeur la clientèle importante, soulignée également par la combinaison avec un tableau similaire. Restauré et revu, il est présenté dans un cadre élégant.

Chasse au sanglier

Huile sur toile. La scène, située sur les pentes d'une montagne, près des rives d'une rivière où un pêcheur est déterminé à travailler, est centrée sur le groupe de chasseurs vif et riche, vêtus à la manière des chevaliers, armés d'épées. et lances et avec l'aide des chiens, ils donnent le coup final au sanglier maintenant blessé et angoissant. Le grand format met en valeur la clientèle importante, soulignée également par la combinaison avec un tableau similaire. Restauré et revu, il est présenté dans un cadre élégant.

Les voyageurs 1910

Huile sur carton. En bas à gauche se trouve l'inscription autographiée "Bozzetto per una copia", avec la signature et la date Noel 1910 ; le titre en bas à droite. Il s'agit d'un croquis pour une réplique avec des variations de la peinture homonyme réalisée par Carena en 1907, grand monumental (159 x 300 cm), exposé à la Biennale de Venise en 1909 et maintenant conservé dans les Musées Civiques, Galerie d'Art Moderne d'Udine, Certains des figures mouvantes apparaissent dans l'œuvre, précisément des voyageurs, représentant les différentes catégories de l'humanité, hommes et femmes, adultes et enfants, jeunes et vieux, mais tous voyageant dans la même direction. Par rapport à l'original, dans cette esquisse aux traits du visage encore indéfinis, les personnages sont placés dans des positions légèrement différentes, avec le jeune homme enveloppé d'un manteau rouge au centre, et la partie inférieure ainsi que le fond manquent. Les couleurs sont presque dures, vives, étalées en coups de pinceau rapides et aux contours indéfinis. Le tableau appartient à la phase picturale encore symboliste de Carena, inspirée du symbolisme français d'Eugène Carrière, période qui s'achève avec sa participation à la Biennale de 1912. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. Dans la grande scène se déroulant à l'extérieur, le laboratoire d'un maréchal-ferrant se dresse sur le côté gauche, avec l'intention avec ses aides de travailler les fers d'un cheval pendant que le propriétaire s'occupe de lui ; au centre arrivent d'autres chevaliers avec leurs serviteurs qui se rendent chez l'artisan ; à droite quelques personnages populaires se reposant au bord de la route. En arrière-plan, un grand paysage fluvial s'ouvre à droite, tandis qu'à gauche, l'accès au village, dominé par un bâtiment délabré, avec diverses figures populaires occupées à leurs activités : la femme qui s'apprête à allaiter un enfant , tandis que l'autre fils se enfuit l'escalier, une autre femme accrocher les vêtements sur le balcon de la maison construite sur pilotis sur le rocher, tandis qu'un homme monte l'échelle. Il s'agit d'une œuvre réalisée avec une grande probabilité par un auteur flamand travaillant en Lombardie. Certaines références aux vêtements et à la construction indiquent certainement une contamination nord-européenne, tandis que d'autres détails indiquent l'emplacement de la construction lombarde. Le tableau provient d'une prestigieuse résidence historique d'une famille noble lombarde. Toujours sur la première toile, il présente quelques coupures et un trou dans la bande inférieure ; au dos quelques écussons d'une ancienne restauration. Il est présenté dans un mince cadre contemporain.

Huile sur toile. La grande scène se déroule à l'entrée d'un village près d'une halte pour les chevaux : de nombreux cavaliers sont à l'arrêt avec leurs bêtes, qui sont fournies par les domestiques et les villageois qui remplissent la mangeoire de foin ; l'un des serviteurs, à droite, fait abreuver les animaux dans le ruisseau voisin. Au fond, les maisons du village disposées le long de la rivière, qui se jette alors dans le paysage vallonné sur la droite. Il s'agit d'une œuvre réalisée avec une grande probabilité par un auteur flamand travaillant en Lombardie. Certaines références aux vêtements et à la construction indiquent certainement une contamination nord-européenne, tandis que d'autres détails indiquent l'emplacement de la construction lombarde. Le tableau provient d'une prestigieuse résidence historique d'une famille noble lombarde. Toujours sur la première toile, il présente quelques coupures dans la bande inférieure. Il est présenté dans un mince cadre contemporain.

Vierge à l'Enfant le Père Anges et Saints

Huile sur toile. École toscane de la fin des années 1500 - début des années 1600. La toile fait partie d'une grande production sacrée, qui exaltait la gloire de Marie et des saints proches du client. Au centre, Marie est assise sur un trône avec son petit fils dans ses bras, tandis qu'au-dessus, du ciel ouvert, le Père Éternel la bénit, avec le globe terrestre dans ses mains, symbole de sa puissance sur le monde ; Il est flanqué de deux anges. De chaque côté du trône se trouvent deux saints : à gauche, San Domenico di Guzman, vêtu de l'habit dominicain et tenant un lys et un livre dans ses mains ; à droite, dans son habit caractéristique, saint François d'Assise, tenant la croix en forme de Tau et de livre, et sur les mains duquel on voit les signes des stigmates. L'ensemble de la scène est caractérisé par la nature statique des personnages encore typiques de la période de la Renaissance, par des couleurs vives et par des traits composés et délicats des visages. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Projet de Sculptures

Crayon sur papier filigrané. Signé en bas à gauche. Le dessin est accompagné d'une authentification sur photo des archives Fausto Melotti, avec le code DIS 36 015, indiquant les données de l'œuvre. Fausto Melotti était un artiste aux multiples facettes et très prolifique et il est presque impossible de lier sa production à une technique ou à un thème particulier, sans fournir seulement une vision partielle de sa vision artistique. Les traits saillants qui sont constants chez Melotti sont la géométrie, l'étude de l'abstraction, qui l'amène à utiliser des éléments réalistes mais non scientifiquement précis, et à disposer les éléments de manière à ce qu'ils rappellent un rythme musical, un détail qui fait référence à sa formation de musicien. Sculpteur, peintre, musicien, poète, il réalise de nombreux dessins de conception pour ses œuvres. Le dessin représentait pour lui un exercice fondamental, pour transfuser le trait graphique originel des feuilles de papier dans les sculptures et les céramiques. Les sculptures pour lesquelles il est le plus connu sont constituées d'éléments géométriques réalisés avec des métaux (laiton, fer et or) travaillés en filaments fins, donnant vie à des compositions éthérées, en apesanteur et presque fragiles. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Italie centrale XVIIe siècle

Sculpture baroque en noyer, Italie centrale XVIIe siècle. La figure masculine, créée pour être vue dans une position élevée par rapport à l'observateur et faisant à l'origine partie d'un groupe sculptural plus large, se caractérise par des cheveux et une barbe ondulés, le bras droit ramené au menton tandis que le gauche dans une position enveloppante, dans le action de soutenir un objet ou de s'accrocher à un élément de support ; vêtu d'un riche drapé qui laisse découvert le haut du buste et les jambes, l'une fléchie et l'autre allongée. Le volume et la plasticité du corps, combinés au sens du mouvement transmis par la torsion, ressemblent à la production sculpturale du baroque romain.

Trois Visages 8 Feuilles

Gouaches sur papier. Au dos se trouvent des autocollants de Sotheby's Auction avec le nom de l'artiste et le titre original "Three faces eight leaves". Ce sont deux dessins similaires, avec le même sujet mais avec de petites différences, et coloriés avec des techniques différentes. Jean Cocteau était un artiste aux multiples facettes : écrivain, dramaturge, dramaturge, il a aussi touché aux arts plastiques, aimant expérimenter toutes les avant-gardes de son siècle. Jean Cocteau publie son premier livre de dessins en 1923, à seulement 36 ans. Le poète y dépeint ses amis Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, mais aussi de nombreuses scènes de la vie quotidienne parisienne, les ballets russes de Nijinski, des allégories, des caricatures, des images poétiques. Cocteau se révèle être un dessinateur de talent, mais surtout un artiste capable de capter l'essence des visages, des comportements et des faiblesses humaines. Ouvrage encadré.

Paysage d'Hiver avec personnages sur Glace

Peinture à l'huile sur toile. École flamande du XVII-XVIIIème siècle. Sur le cadre il y a une étiquette attribuant à Thomas Heeremans (mais avec une date erronée). La grande scène offre un paysage hivernal propre au territoire hollandais, car caractérisé par un canal gelé, à proximité d';un village, peuplé de nombreuses figures de patineurs, avides d'activités quotidiennes : le traîneau tiré par des chevaux pour le transport des personnes, l'homme qui pousse la « brouette » pleine de bois, l'enfant qui se pousse dans sa petite boîte ; d'autres personnages passent sur le talus le long du canal. Le ciel gris et froid d'une journée d'hiver plane sur tout. Le sujet était le récurrent dans la production du peintre hollandais Thomas Heeremans, qui a principalement peint des paysages d'hiver de sa terre, les reproduisant plusieurs fois en raison du succès obtenu, et incitant de nombreux autres artistes à l'imiter ; on pense donc que ce travail remonte à un imitateur des Heeremans, plutôt qu'à lui directement. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du XVIIIème siècle. Dans un paysage plutôt aride, avec des ruines architecturales à gauche et des sommets enneigés en arrière-plan à droite, quelques bergers passent le long du chemin, conduisant leurs troupeaux de vaches, moutons et chèvres. Dans le cadre du paysage nordique, la teinte rosée du ciel et le caractère pastoral de la scène donnent cette atmosphère idéaliste typique de la peinture de paysage du XVIIIe siècle, où la satisfaction du sentiment prévalait plutôt que l'intention de transposition réaliste. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Le Conte d'Apollon et de Marsyas

Huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIe siècle. La grande toile dérive d'une gravure de 1562 du Vénitien Giulio Sanuto, qui a fidèlement reproduit l'œuvre homonyme de Bronzino (1503-1572), actuellement conservée à l'Ermitage ; par rapport à l'original, la gravure ajoute le groupe des Muses et modifie le fond du paysage en introduisant des vues de villages. L'œuvre est divisée en quatre scènes, qui doivent être lues de droite à gauche. La première scène représente le concours musical entre Apollon et le Silène Marsyas, qui jouait si bien de la flûte qu'il était considéré comme supérieur au même dieu ; les deux prétendants se produisent, le dieu avec la lyre et le silène avec la flûte même à l'envers (pour augmenter la difficulté de l'entreprise), devant le roi Midas et la déesse Minerve, reconnaissable à ses attributs, le casque, la lance et le bouclier. Dans la deuxième scène, Apollon a l'intention d'écorcher Marsyas, pour le punir d'avoir remporté le concours musical; s'appuyer sur le sol à côté de lui, son manteau et sa lyre. Dans la troisième scène, c'est le roi Midas qui est puni par le dieu pour lui avoir préféré Marsyas : Apollon met les oreilles de l'âne sur Midas, tandis que Minerve regarde. Enfin, la quatrième scène, au premier plan à gauche, est caractérisée par une figure particulière, identifiée chez le fidèle serviteur et barbier du roi : puisque Midas lui avait ordonné de garder le secret sur ses oreilles d'âne, ne pouvant laisser à bout de souffle sinon, il a creusé un trou dans le sol et y a crié son secret ; à cet endroit, cependant, la légende raconte qu'un buisson de roseaux a poussé qui, avec le vent, a murmuré "Le roi Midas a des oreilles d'âne", révélant ainsi le secret redouté. La peinture a été précédemment restaurée et regarnie, mais nécessite actuellement une récupération de couleur supplémentaire. Au dos au crayon il y a une ancienne attribution à l'école de Ferrara ("Ercole da Ferrara"). Il est présenté dans un cadre de style fin XIXème.