PEINTURE ANCIENNE
 

La Prédication du Baptiste

Huile sur toile. Le tableau peut être rattaché au cercle de Pier Francesco Mola, dit le Tessinois, peintre actif en Italie au XVIIe siècle, dont la production comprend au moins deux toiles ayant le même sujet (à la National Gallery de Londres et à la Fondation Thyssen-Bornemisza de Lugano). Dans ces œuvres de Mola, jusqu'alors essentiellement paysagiste, la figure humaine commence à jouer un rôle primordial par rapport au paysage, mais l'attention portée à l'élément naturaliste reste présente dans toute la production de cet artiste, qui a toujours cherché un rapport adéquat entre les figures et l'arrière-plan. Dans l'œuvre présentée ici, cet équilibre est trouvé : les figures sont placées dans le paysage, bien réparties dans différents espaces et sur différents niveaux de profondeur, et interagissent avec les éléments naturalistes. La figure de Jean-Baptiste est assise sur un rocher isolé et aride ; la foule qui écoute le prophète, disposée en demi-cercle au premier plan, de dos ou de profil, se confond presque avec quelques arbres arides et la maigre végétation qui les entoure ; au loin, à droite et indiqué par le Baptiste, avance le Christ, figure bleue et ombrée dans le paysage également bleu et ombré. Restauré et retouché à la fin du XIXe siècle, le tableau est présenté dans un cadre doré de la seconde moitié du XIXe siècle.

Detrémpe sur panneau représentant une figure féminine à mi-corps ; elle porte une robe rouge sur une tunique claire. rouge sur une tunique claire, tandis que sur son épaule droite repose un drapé vert. Un drapé vert repose sur son épaule droite. Ses cheveux roux sont rassemblés dans une raie centrale et sont en partie recouverts d'un manteau blanc comme la neige. couverts en partie par une coiffe blanche comme neige ; le visage entier a une expression absorbée : le regard pensif. expression : le regard pensif, les sourcils arqués et les lèvres légèrement froncées. lèvres froncées. Présenté dans un cadre composé de parties d'un cadre antique plus grand. de plus grandes dimensions.

Huile sur toile. École du sud de l'Italie, XVIIe-XVIIIe siècle. La scène, pleine de personnages, voit au centre la figure d'un condottiere, bien défini dans les détails de l'armure, du cimier et de l'anatomie, qui accompagne avec bienveillance, d'un mouvement des bras, un homme agenouillé qui, avec sa compagne, rend hommage à un empereur, tout en montrant de sa main tendue le groupe de six enfants, tenus à droite par des soldats. L'empereur s'est levé de son trône, à gauche, et va à la rencontre du couple prosterné, mais lui aussi semble presque dans une attitude de révérence à l'égard du chef central. La scène semble faire référence à un épisode historique de clémence d'un condottiere qui, par son âge, ses traits et le type d'armure qu'il porte, pourrait être Alexandre le Grand, un personnage qu'il est cependant difficile de faire correspondre à l'autre figure couronnée de laurier qui descend de son trône dans le somptueux palais. L'épisode (historique ou légendaire ?) de référence ne peut donc être identifié précisément. On peut cependant apprécier la richesse compositionnelle de la scène, avec de nombreux personnages bien détaillés et des couleurs vives qui en soulignent le dynamisme. L'œuvre, restaurée et réencadrée, est présentée dans un cadre ancien.

Huile sur toile. Au dos figure un cartouche avec une attribution ancienne à Hubert Robert (1733 -1808), peintre français qui a voyagé en Italie et en a rapporté des vues variées et pittoresques, peuplées de ruines architecturales. Dans cette œuvre, la vue d'une campagne vallonnée a pour cadre un village avec des chaumières et une fontaine au centre, au milieu duquel se dressent cependant des ruines d'architecture classique : au centre, trois colonnes d'un temple, plus à gauche, les ruines d'un amphithéâtre. Plusieurs figurines populaires se promènent parmi les structures. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre.

Huile sur toile. Ecole d'Europe centrale. Dans la scène se déroulant à l'intérieur d'une taverne, une bagarre est décrite entre deux hommes, qui sont détenus par les autres clients et par l'aubergiste ; sur la table, à côté du déjeuner interrompu, les cartes du jeu qui ont déclenché la querelle. Toute la scène est remplie de personnages, peints de manière brute et presque grotesque, avec des expressions et des poses très marquées, presque théâtrales, également soulignées par des couleurs vives. En raison de ces caractéristiques, la peinture se intègre bien dans la production de scènes de genre de dessin sur la vie populaire capturé dans ses moments les plus animés et caractéristiques, qui a été calculée à compter du dix - septième siècle en Europe centrale, en particulier aux Pays - Bas, pour les remplacer par des sujets plus légers étaient des peintures naturalistes et religieuses, et qui en Italie trouvèrent une expression particulière dans l'"école Bamboccianti", développée à Rome par des peintres flamands et italiens. Le tableau a été restauré et regarnisé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Scène galante et scène pastorale

Paire de peintures sur cuir, représentant une scène galante et une scène pastorale. Dans des cadres stylisés.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole de l'Italie du Nord du XVIIIe siècle. Les deux compositions gaies de fleurs panachées sont placées l'une dans une vasque en cuivre, l'autre dans une corbeille ; ils sont réalisés avec des fleurs différentes dans les deux toiles, bien que dans les deux elles soient multicolores, se détachant bien sur le fond sombre et sombre. Restaurés et rentoilés, les deux tableaux sont présentés dans des cadres élégants.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole d'Europe centrale de la fin du XVIIIe siècle. La scène raconte un épisode biblique largement reproduit dans l'art pictural, tiré du livre d'Esther : la jeune Israélite, qui pour sa beauté avait été choisie comme épouse par le roi Assuérus (probablement le Perse Xerxès), intercède auprès du roi lui-même pour sauver son peuple, menacé d'extermination et victime d'un complot du maléfique conseiller Aman. L'œuvre représente la reine Esther tandis que, accompagnée de sa suite, dans toute sa splendeur, elle est accueillie avec bienveillance par le roi, qui la soutient face au malaise auquel elle est soumise par la peur, tandis qu'il dénonce et démasque, en indiquant ce sont les complots du perfide Haman qui se retire effrayé. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. XVIIe-XVIIIe siècle École émilienne. Il s'agit d'une copie précoce du célèbre panneau du Corrège, intitulé La Madonna di San Girolamo ou Il Giorno (Notre-Dame de saint Jérôme ou Le Jour), datant d'environ 1528 et aujourd'hui conservé à la Galerie nationale de Parme. Le sujet de la représentation est la présentation par saint Jérôme à Jésus de la traduction de la Bible de l'hébreu au latin populaire, un travail que le saint a réalisé à la demande du pape Damase et qu'il a achevé en se cachant dans la solitude de la grotte de Bethléem. Dans le tableau, le centre de la scène est occupé par Marie, assise avec l'enfant Jésus dans les bras. Autour d'eux, plusieurs personnages sont disposés en demi-cercle. Sur la gauche se tient la puissante figure du vieux Jérôme, qui regarde l'Enfant, le rouleau de traduction à la main, et le lion, son compagnon ermite, accroupi à ses pieds. Sur le même côté, un ange brandit la Bible et s'adresse en souriant à la Vierge à l'Enfant. De l'autre côté se trouve la Madeleine, semi-allongée, embrassant affectueusement le petit pied de l'enfant qui, à son tour, lui caresse les cheveux, dans un geste intime qui souligne le lien intense entre les deux personnages. Derrière Madeleine, un petit ange fronce le nez en reniflant le pot d'onguents de la sainte pénitente. La scène se déroule sous un rideau rouge, ouvert sur un vaste paysage. Le tableau de Corrège a connu un tel succès qu'il en existe de nombreuses copies et répliques antiques, dont celle présentée ici. L'œuvre, restaurée et retouchée, est présentée dans un cadre ancien du même âge.

Huile sur toile. École italienne des XVIIe et XVIIIe siècles. Madeleine est représentée à l'intérieur d'une grotte, étendue sur le sol dans une attitude de doux abandon, partiellement recouverte d'un drap blanc et avec ses longs cheveux lâchés couvrant ses seins nus, disposés comme pour former une broderie sur son corps. La sainte lit la Bible et tient une croix, la main posée sur un crâne, le traditionnel Memento mori. Autour d'elle, trois petits anges l'assistent, l'un tenant la fiole d'onguent, l'autre arrangeant ses cheveux, le troisième lui couvrant les pieds du linge blanc. La sacralité de la scène se mêle à la sensualité qui émane de Marie Madeleine, renforcée par le jeu d'ombre et de lumière qui fait ressortir son corps et les incarnations des anges. Restauré et reteinté, le tableau présente les traces d'un ancien rapiéçage dans le coin supérieur droit, réalisé avec une autre toile (probablement parce que la toile originale avait été insérée dans un espace irrégulier).

Melchisédek Accueille Abraham

Huile sur toile. La scène représente un épisode de la Bible où se rencontrent un prêtre, offrant le pain et le vin de l'autel, et un chef avec son armée. Il pourrait s'agir de Melchizédek, roi et prêtre d'Israël, accueillant Abraham au retour de l'expédition guerrière qu'il a entreprise pour libérer son neveu Lot, le jeune homme désarmé en bas à droite, qui avait été fait prisonnier par les rois d'Orient. Le décor se situe dans une campagne verdoyante de style européen, tandis que les personnages sont vêtus d'habits typiques de leur époque, en particulier les robes sacerdotales de Melchizédek. La toile, restaurée, a été appliquée sur un châssis moderne. Présentée dans un cadre du XIXe siècle.

Huile sur toile. La scène raconte l'épisode biblique du livre de l'Exode dans lequel le bébé Moïse, que sa mère avait confié au fleuve dans un panier pour le sauver du massacre des enfants mâles israéliens (ordonné par le pharaon d'Égypte pour éviter que la population israélienne ne devienne trop nombreuse et ne se rebelle contre l'esclavage), est trouvé par une servante de la fille du même pharaon, qui décide de l'adopter et de le sauver. La scène se déroule au bord d'un fleuve mais dans un paysage qui n'est pas oriental, avec des structures architecturales sur la droite : de nombreux personnages représentent la suite de la princesse, placée au centre avec l'enfant dans le panier. La toile restaurée a été appliquée sur un châssis moderne. Présenté dans un cadre du XIXe siècle.

Les Gueux, 1622 (série complète)

Gravures à l'eau-forte. Il s'agit de la série complète de 25 gravures sur papier des « Mendiants » (Les Gueux), réalisée par le graveur français à Nancy, et largement reproduite pour la popularité qu'elle a obtenue ; Rembrandt, qui possédait une collection d'estampes de Callot, s'en est inspiré pour ses figures de mendiants. Ils sont représentés des mendiants ou roturiers d'origine italienne (Callot a fait les dessins en Italie) qui symbolisent la pauvreté et les blessures de la condition humaine. Les gravures n'ont pas été signées par l'auteur, mais ont été numérotées ; seulment la première gravure, qui représente un personnage très humble portant un drapeau avec les mots "Capitano De Baroni", et qui représente aussi le frontispice de la collection, montre le nom du dessinateur et graveur. Toute la série est présentée dans des cadres stylisés.

Huile sur toile. Paysage du nord de l’Italie, avec de grandes montagnes enneigées de fond, sous lesquelles se dresse un château et au premier plan le grand fleuve, sur les rives duquel des figures de pêcheurs. La peinture présente plusieurs chutes de couleur et crétacé marqué. Il est présenté dans un cadre de style.