Tableau Ancien avec Sujét Mythologique Attr. à D. Lupini - Attr. à Domenico Lupini

Disciple de Peter Paul Rubens

Huile sur toile. Le tableau dérive de l'œuvre de Rubens (1577 -1640) conservée au musée du Prado à Madrid, reproduite comme contrepartie dans la gravure de Paulus Pontius (1603 -1658), qui apparaît également dans cette version. Au centre de la scène, à la verticale, se trouve la figure de Marie, dont le visage est inspiré de celui d'Isabel Brandt, la première épouse du peintre flamand, décédée en 1626 à l'âge de 35 ans. La Vierge tient dans ses bras l'Enfant Jésus, qui la regarde tendrement mais gravement dans les yeux, tandis qu'une petite main se pose sur le sein découvert de sa mère, dont il vient d'être nourri ; derrière, debout, sainte Anne entoure les épaules de sa fille et de son petit-fils d'une étreinte tendre et protectrice, en souriant avec complaisance : Sur le côté gauche, un peu à l'écart et dans l'obscurité, Joseph observe, pensif et inquiet : c'est la seule figure humaine qui ne s'intègre pas dans la lumière émanant du visage de l'Enfant, rayonnant sur celui de Marie et, par réflexion, également sur celui de Sainte Anne. Par rapport à l'œuvre du maître, la composition des figures est respectée, mais plusieurs détails varient, notamment dans les vêtements de sainte Anne, de Marie et dans la draperie qui entoure les hanches de l'Enfant, ce qui renforce l'hypothèse qu'il s'agit de l'œuvre d'un suiveur du maître flamand. La peinture, restaurée et reteinte, est en bon état, avec seulement une éraflure dans la couleur en haut au centre.

Huile sur toile. École d'Italie centrale du XVIIe siècle. Cette représentation inhabituelle et particulière présente à gauche les trois personnages de la Sainte Famille, avec Jésus déjà enfant, assis à table et bénissant le simple repas qu'ils s'apprêtent à prendre (composé de fruits et de pain). La scène, un sujet représenté plutôt rarement et habituellement avec un caractère plus sacré en raison de la présence d'anges servant la nourriture à la famille, a ici plutôt la saveur d'une intimité domestique très normale et très simple. D'autre part, tout autour de la Sainte Famille se détache majestueusement un aperçu d'une ville de la Renaissance, avec de hauts bâtiments dotés de loggias et de colonnades, présentés dans un bel effet de perspective qui mène, à l'extrême droite, au mur d'entrée d'une ville richement touffue, probablement Jérusalem. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Attr. à Domenico Lupini

Huile sur toile. Le tableau représente un épisode de la mythologie romaine relatif à la jeune héroïne romaine Clélia, qui fut donnée en otage, avec d'autres jeunes filles, au roi étrusque Porsenna lors de négociations de paix avec la cité ; Clélia réussit cependant à s'échapper en traversant le Tibre à la nage. Porsenna exigea qu'elle soit rendue aux Romains, qui acceptèrent, mais admirant son héroïsme, il décida de la libérer en lui permettant d'emmener avec elle d'autres prisonnières, que Clélia choisit parmi les plus jeunes. Le moment représenté dans le tableau est celui de la traversée du fleuve, dont la personnification se trouve au premier plan à droite, dans la figure du vieillard canin, accompagné d'une jeune femme avec une corne d'abondance. La scène est très dynamique : Clélia et les autres jeunes filles forment un groupe dense et animé autour du cheval monté par le protagoniste, comme le rappellent certaines versions de l'histoire ; derrière elles se trouvent les tentes du camp du roi étrusque avec quelques soldats. De l'autre côté du fleuve, un autre groupe de femmes a déjà effectué la traversée, tandis qu'à l'arrière-plan se dessine la ville capitoline à l'aspect classique. L'œuvre, comme l'atteste un petit cartouche, est attribuée à Domenico Lupini, un artiste dont on ne sait pas grand-chose mais dont on peut supposer qu'il a exercé son activité entre Bergame et Venise. Les deux seules œuvres signées sont une "Madeleine convertie" et une "Annonciation", mais d'autres œuvres lui ont été attribuées par l'érudite Federica Nurchis et ont été placées dans le monastère de Santa Chiara à Bergame. Le tableau présente un chromatisme chaud et raffiné qui, avec l'élégance des personnages et le mode de composition, suggère le séjour vénitien de Lucini, qui semble rappeler les atmosphères du Tintoret, de Véronèse et de Palma il Giovane. La peinture présente des signes de restauration et de retouche.

Detrémpe sur panneau représentant une figure féminine à mi-corps ; elle porte une robe rouge sur une tunique claire. rouge sur une tunique claire, tandis que sur son épaule droite repose un drapé vert. Un drapé vert repose sur son épaule droite. Ses cheveux roux sont rassemblés dans une raie centrale et sont en partie recouverts d'un manteau blanc comme la neige. couverts en partie par une coiffe blanche comme neige ; le visage entier a une expression absorbée : le regard pensif. expression : le regard pensif, les sourcils arqués et les lèvres légèrement froncées. lèvres froncées. Présenté dans un cadre composé de parties d'un cadre antique plus grand. de plus grandes dimensions.

Huile sur toile. XVIIe-XVIIIe siècle École émilienne. Il s'agit d'une copie précoce du célèbre panneau du Corrège, intitulé La Madonna di San Girolamo ou Il Giorno (Notre-Dame de saint Jérôme ou Le Jour), datant d'environ 1528 et aujourd'hui conservé à la Galerie nationale de Parme. Le sujet de la représentation est la présentation par saint Jérôme à Jésus de la traduction de la Bible de l'hébreu au latin populaire, un travail que le saint a réalisé à la demande du pape Damase et qu'il a achevé en se cachant dans la solitude de la grotte de Bethléem. Dans le tableau, le centre de la scène est occupé par Marie, assise avec l'enfant Jésus dans les bras. Autour d'eux, plusieurs personnages sont disposés en demi-cercle. Sur la gauche se tient la puissante figure du vieux Jérôme, qui regarde l'Enfant, le rouleau de traduction à la main, et le lion, son compagnon ermite, accroupi à ses pieds. Sur le même côté, un ange brandit la Bible et s'adresse en souriant à la Vierge à l'Enfant. De l'autre côté se trouve la Madeleine, semi-allongée, embrassant affectueusement le petit pied de l'enfant qui, à son tour, lui caresse les cheveux, dans un geste intime qui souligne le lien intense entre les deux personnages. Derrière Madeleine, un petit ange fronce le nez en reniflant le pot d'onguents de la sainte pénitente. La scène se déroule sous un rideau rouge, ouvert sur un vaste paysage. Le tableau de Corrège a connu un tel succès qu'il en existe de nombreuses copies et répliques antiques, dont celle présentée ici. L'œuvre, restaurée et retouchée, est présentée dans un cadre ancien du même âge.

Huile sur toile. École napolitaine du XVIIe siècle. Une composition de fleurs panachées dans des tons clairs est placée dans un vase, noir comme le fond, sur un socle de marbre, dont on ne distingue que le socle, car il est recouvert d'un tissu également noir, dont on ne distingue que les garnitures dorées disposées de façon à créer un jeu de courbes. Sur les deux côtés du plan se trouvent deux oiseaux, un gros pigeon à gauche tenant dans son bec une petite branche volée à la composition, et un pic à tête rouge à droite. Le long de la marge gauche se trouve un paysage, avec un grand arbre courbé sous un ciel sombre, et une ville à l'arrière-plan. Restauré et retouché, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur cuivre. Ecole flamande du XVIIe siècle. Le tableau, attribué par tradition orale à Frans Francken le jeune (1581 -1642), représente une guérison miraculeuse opérée par Jésus : alors qu'il accompagne ses disciples, il rencontre sur son chemin un malade, probablement atteint de la lèpre, une maladie qui isolement et bannissement de la ville; l'homme invoque le Christ qui accomplit le miracle et le guérit. Le tableau place l'événement sur le bord gauche de la scène, au premier plan, où les personnages habillés selon le style typique de l'époque du Christ se distinguent par leurs couleurs vives ; de plus, le paysage qui remplit le reste de la scène est résolument nordique, avec une rivière pleine d'eau qui coule dans une campagne pleine de végétation, et une ville en arrière-plan sous les sommets des montagnes. La description picturale de la végétation est minutieuse et précise, riche et bien définie dans les détails : le tronc brisé au premier plan, les frondes du grand arbre derrière les personnages, les oiseaux volant haut dans le ciel, les petites fleurs sur le rivage , les nuances de l'eau dans lesquelles se reflètent plantes et nuages ​​sont peintes avec un raffinement pictural typique de la peinture flamande, proche dans le style de celui du grand artiste anversois. La peinture est présentée dans un cadre antique réutilisé.

Copie de Guido Reni

Peinture à l'huile sur toile. L'œuvre est l'une des nombreuses répliques, avec quelques variantes, du célèbre sujet créé par le célèbre peintre bolognais Guido Reni (1574 -1642) et son atelier. La composition, qui voit la Vierge en prière penchée pour adorer l'Enfant endormi, est considérée comme une invention de la brillante veine de Reni, qui, suite au grand succès auprès des collectionneurs de l'époque, fut ensuite reprise par d'autres auteurs du XVIIe siècle. , parmi lesquels se distingue le nom de Giovan Battista Salvi dit "Il Sassoferrato". Les deux variantes les plus célèbres de cette scène fascinante voient la Vierge avec les mains jointes en prière, adoptée par Salvi, ou celle avec les mains sur la poitrine, comme celle-ci, typiquement de Reni. D'autres variantes concernent la position de la tête de l'Enfant Jésus endormi, tournée vers le haut comme dans cette version, plutôt qu'inclinée sur le côté ; enfin les tissus de fond changent. Cependant, l'intensité de la scène ressort également dans cette réplique : elle est occupée transversalement par le corps abandonné au repos de l'enfant, où la nature divine est soumise à l'humaine dans le sommeil ; au-dessus, incliné dans un geste protecteur et en même temps contemplatif, le corps de Marie, qui exprime toute la tendresse maternelle mais aussi, dans le geste des mains, l'adoration du mystère incarné représenté par le petit fils. Les couleurs vives des tissus - l'oreiller sur lequel Jésus est couché, le rideau derrière, les vêtements de la Mère - font ressortir l'éclat des tons chair. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre fin XIXème.

Paysage avec Figures

Peinture à l'huile sur toile. La grande composition propose un paysage avec un grand arbre au centre. surmonter de ses branches clairsemées la campagne en contrebas, traversée par un ruisseau et animée par diverses figures de roturiers occupés à l'activité ou au repos ; en haut à droite se dresse une forteresse qui domine la vallée. Déjà attribué à Peruzzini des Marches, le tableau remonte certainement à son entourage, en raison des traits picturaux rapides et mal agrégés. Antonio Francesco s'est spécialisé dans la peinture de paysage, subissant l'influence de Salvator Rosa et de peintres paysagistes tels que Pietro Montanini et Pandolfo Reschi, et d'autres influences lui sont également venues de peintres nordiques actifs en Italie, surtout de Pieter Mulier dit il Tempesta. Dans ses premières œuvres, l'originalité de sa peinture se distingue déjà par une rédaction rapide et un timbre chromatique intense et brillant. Le long lien artistique entre Antonio Francesco Peruzzini et Alessandro Magnasco a commencé au début des années 1990, suite à leur rencontre à Milan, où Peruzzini s'était installé ; à partir de cette période sa peinture semble s'effondrer, à travers des formes qui deviennent plus dynamiques et légères, presque fantastiques, pour finalement arriver à un style marqué par une désintégration toujours plus grande des formes de la nature et de leur mouvement. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole centrale italienne de la fin des années 1600-début des années 1700. La composition propose un buste féminin au centre, dépeint comme s'il s'agissait d'une effigie sculpturale, pour le monochrome qui évoque le marbre ; il est entouré d'une guirlande de fleurs colorées, qui s'étendent de branches tordues au-dessus, tandis qu'un paysage s'estompe en arrière-plan. Ce type de portrait est issu d'une solution née dans le milieu flamand et diffusée en Italie par Daniel Seghers. Restauré et rentoilé, le tableau présente de légères chutes de couleur. Il est présenté dans un cadre ancien.