Tableau Ancien Christ et la Femme Adultère École Flamande XVIe Siècle - École Flamande du XVIe Siècle

Peinture à l'huile sur toile. École émilienne du XVIIIe siècle. Grand portrait d'un noble du XVIIème siècle, vêtu d'un élégant manteau bordé de fourrure tachetée et de la perruque blanche typique de la mode des XVIIème et XVIIIème siècles, identifiant une haute lignée. Le monsieur tient une feuille de papier sur laquelle est dessinée une église entourée d'autres édifices, peut-être un couvent, ou en tout cas un village dont le noble était probablement un bienfaiteur. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre doré contemporain. Les propriétaires précédents ont indiqué qu'elle provenait d'un élégant immeuble de Parme.

Huile sur panneau en bois. École centrale italienne de la seconde moitié du XVIe siècle. La scène sacrée de l'Annonciation voit les deux personnages protagonistes placés au premier plan dans un intérieur qui correspond à la chambre de Marie. La jeune femme est assise devant un petit bureau en bois, soutenu par des figures d'anges, sur lequel reposent le livre de prières et un vase à petites fleurs ; à ses pieds, le panier à couture. Le corps de Marie est partiellement tourné vers l'arrière, dans un mouvement tordu, presque comme si elle cherchait à s'échapper, comme si elle voulait s'éloigner de l'autre figure, celle de l'Archange Gabriel. Il se tient à droite, majestueux et élégant, une main tenant un lys et l'autre pointée vers le haut au-dessus de lui, là où la colombe blanche, symbole du Saint-Esprit, émerge d'une trouée de lumière. Au fond, de hautes colonnes à tentures surmontent la plateforme sur laquelle repose le lit de Marie. La composition fait référence, dans le style figuratif et dans les choix chromatiques, à la peinture déjà maniériste des écoles de l'Italie centrale : il y a notamment une forte concordance de style et de composition avec certaines œuvres du même sujet du peintre Bastiano Vini Detto. Bastiano Veronese (1525-1530 / 1602), qui vécut et travailla à Pistoia vers 1540. C'est dans cette ville que se trouvent certaines de ses Annonciations : en particulier celle de l'église de Santa Maria delle Grazie (un retable de plus de deux mètres de hauteur), présente de nettes similitudes au niveau formel et compositionnel avec celle présentée ici. . Il y a concordance dans le décor de la scène sacrée : une chambre, au fond de laquelle se trouve un rideau qui recouvre partiellement un lit, meublée des éléments indispensables au récit, le pupitre et le fauteuil richement décorés de cariatides d'angelots ou d'anges. qui semblent sculptés dans le bois. Le schéma de composition correspond, bien qu'avec de légères variations, aux deux figures disposées "en frise" sur la même surface de pose, et les traits somatiques de la Vierge et de l'Archange correspondent également. Cependant, le sol diffère, qui, bien qu'il soit homogène dans notre tableau, dans celui de Pistoia se présente avec une alternance de couleurs en damier, mais il semble que ce dessin du sol ait été ajouté plus tard, à l'occasion de la reconstruction de l'autel en 1637 -1639, en pendant avec celui d'une autre œuvre du même Sebastiano Vini dans la même église, une Conversation Sacrée. Il semble donc assez certain que notre panneau a été peint d'après l'œuvre de Bastiano Veronese, probablement à la demande expresse du client, et avant le changement du sol, remontant donc à la seconde moitié du XVIe siècle. Le tableau a fait l'objet d'une restauration, avec application de deux renforts au dos du panneau. Il est présenté dans un décor de la fin du XIXème siècle. (Référence pour le retable de Pistoia : Catalogue du patrimoine culturel https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900035285)

Huile sur toile. Ecole napolitaine du XVIIIe siècle. La scène, située près de la mer, est dominée par un grand complexe de ruines architecturales, avec des statues, des arcs, des jardins suspendus, et animé par de nombreuses figurines de roturiers avides d'activités diverses. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Le reniement de Pierre

Huile sur chêne, provenant d'une importante collection historique florentine. La collection a commencé par un ancêtre de la famille qui était à Vienne en 1798 et ensuite à Wurzburg jusqu'en 1813, en tant que compagnon de l'exil du Grand-Duc de Toscane Ferdinand III. La collection a été transférée à Florence après la chute de Napoléon, et son importance est prouvée par une copie d'un inventaire compilé en 1881. Au numéro 14 (correspondant à celui figurant sur le cartouche au fond de la table) Description du compilateur: ... un pied de lit en bois de deux pieds et quatre pouces de long, et un pied et huit pieds et demi, représentant Pierre qui renie Jésus-Christ devant la jeune fille dans la maison d'Anna. Nous voyons le Sauveur lointain porté à ce pontife pour être examiné, au milieu d'une foule et d'une quantité de soldats. Dans les années 1960, une attribution initiale à Bruegel a été refusée et déménagée à Francken. La composition a évidemment été couronnée de succès parce que d'autres versions de l'atelier étaient connues (voir, par exemple, une huile sur le cuivre avec un sujet et des dimensions identiques dans l'enchère de Koller le 18/09/2015). Présenté dans un cadre remis à neuf.

Huile sur toile. Région lombarde de la fin du XVIIIe siècle. Les quatre toiles montrent des scènes d'Orlando Furioso, le célèbre poème épique écrit par Ludovico Ariosto et publié pour la première fois en 1516. Sur le cadre, au dos, il y a des écritures manuscrites en italien ancien, qui disent le titre de la scène et ils donnent la référence de la chanson et du couplet. Les quatre scènes représentent des épisodes tirés des deux premières chansons du poème et semblent être séquentielles. Les titres attributifs sont les suivants : 1- « Cette peinture représente ce paladin galiardo (Rinaldo) fils d'Amone sig. di Monte Albano, qui décrit l'Arioste dans le chant 1 au verset 12 » : dépeint le moment où Rinaldo, au pied de son cheval Baiardo, voit Angélique échappée du camp de Namo di Baviera dans le bois. 2- "Ce tableau représente Angélique et Ferraù quand elle vient à leur aide, ce que l'Arioste décrit au chant 1 verset 14": Angélique fuyant Rinaldo, rencontre dans les bois Ferraù, un noble chevalier sarrasin qui est aussi amoureux de la jeune fille, qui aide à s'évader en s'opposant au chevalier chrétien. 3- « Ce tableau représente Rinaldo et Sacripante qui tombent, Angélique fuit leur fureur. L'Arioste le décrit dans le Canto 2 verset 10 ": Rinaldo et Sacripante se battent pour concourir pour l'amour d'Angélique, qui entre-temps s'enfuit. 4- "Ce tableau représente Rinaldo et Sacripante dans l'acte où ils sont tombés amoureux d'Angélique et ont été arrêtés par un esprit sous la forme d'un Valletto. L'Arioste le décrit dans le chant 2 verset 15" : tandis que les deux chevaliers se battent, Angélique rencontre un ermite, qui, avec un sort, évoque un esprit avec l'apparence d'un valet de pied, qui interrompt le duel entre les deux prétendants. Les peintures appartiennent donc à un seul cycle pictural, attribuable à la fin du XVIIIe siècle et qui, conformément au goût néoclassique, représente les personnages en habits classiques - guerriers habillés en soldats antiques, Angélique vêtue d'une tunique romaine, souliers et bracelet - , mais inséré dans un paysage du nord de l'Italie, une forêt ombragée et dense. L'Orlando Furioso avait la particularité de proposer le thème guerrier associé à l'amoureux (on préféra notamment l'histoire d'amour entre Angelica et Medoro, qui fit l'objet de nombreuses oeuvres d'artistes de tous les siècles) et obtint une grande popularité et un grand succès : de nombreux étaient ses représentations dans toutes les gammes de l'art visuel pictural, dans d'élégantes fresques, peintures, céramiques, voire pots d'apothicaire, coupes, médailles, pendules, candélabres. Cela a commencé en terre émilienne, patrie du poème créé par l'Arioste pour le cardinal Ludovico D'Este, pour arriver aux tribunaux des Médicis, en Lombardie, où plus tard les cycles picturaux de l'Arioste ont été réalisés dans de nombreux palais et demeures seigneuriales. Les toiles sont présentées dans des cadres de style doré.

Erminia parmi les bergers

Huile sur toile. La grande toile raconte un épisode tiré de la Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso, dans lequel la jeune Erminia, princesse d'Antioche secrètement amoureuse de Tancrède, assiste à la blessure de son bien-aimé en duel. Poussée par l'amour, elle porte donc les armes de la guerrière Clorinde, son amie proche, et la nuit elle sort pour rejoindre son bien-aimé Tancredi et le guérir. Mais dans le camp chrétien un rayon de lune l'éclaire et, prise pour Clorinde par les sentinelles, elle est forcée de prendre une fuite précipitée : c'est ainsi que cela se passe dans un village habité par des bergers qui vivent loin de la guerre dans un espace idyllique , où elle demande et obtient d'être hébergée quelque temps dans le (vain) espoir d'oublier son amour malheureux. L'oeuvre, déjà attribuée à Carlo Loth, relève plutôt de la production de Louis Dorigny, le peintre parisien qui vécut longtemps en Italie, à Rome, à Venise et enfin définitivement à Vérone, où il obtint de nombreuses commandes de Véronèse mais également de clients vénitiens et lombards, étendant son activité de peintre de fresques de Bergame à Udine. A Vérone depuis le début du siècle, les préférences dans le domaine de la peinture vont vers un langage classiciste complexe dans la composition, mais calme et élégant, même dans les grandes œuvres décoratives. Dorigny se conforme à ce tableau qui mêle dans cette toile le classicisme équilibré de Simon Vouet (dont il était le petit-fils) au clair-obscur appris à Rome et à la calme élégance vénitienne. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.