Tableau Ancien avec Jeune Femme Huile sur Toile Espagne '800

Peinture à l'huile sur toile. École française. En bas à gauche se trouvent la signature et la date écrites à l'envers ; la signature est lisible comme H. Faillade. En bas à droite se trouve l'écriture latine "Quando ex exilio redibit !!!" (Quand il reviendra d'exil !). Cet écrit souligne le lien de l'homme représenté avec le jeune général représenté dans le petit tableau qu'il tient à la main, probablement son parent et lié à la monarchie de Charles, dernier souverain de la dynastie Bourbon-France, absolutiste et anti- monarque libéral, renversé du trône et s'enfuit en exil en 1830 lors de la Révolution de Juillet, connue sous le nom de Seconde Révolution française. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Signé J. M de Medeiros

Huile sur toile. Dans la marge droite figure une dédicace en portugais "Ill'.... Offerece Agradecide (avec gratitude)", avec la signature de J.M. De Medeiros et la date de 1875. L'œuvre peut être attribuée au peintre brésilien De Medeiros, dont on sait seulement qu'il a enseigné à l'Académie des beaux-arts de Rio de Janeiro en 1885. L'œuvre représente le portrait d'un homme âgé, à la barbe fournie, au regard sérieux fixé sur un objet lointain, vêtu d'une tunique et d'un pallium, évoquant ainsi la figure d'un penseur ou d'un philosophe de l'Antiquité. L'œuvre est ornée d'écussons au dos. Elle est présentée dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. Il s'agit d'une représentation picturale d'un épisode tragique très probablement antisémitique. À droite un militaire en Russe uniforme, de retour à maison blessée, il se retrouve devant les yeux la scène dramatique de la famille massacrée, que le rabbin est en train de veiller en prière. La fenêtre cassé, les tiroirs retourné, montrent l'irruption forcée des assassins. À gauche du miroir nous trouvons une inscription en Hébreu qu'il pourrait suggérer la localisation ou la trace qui propose. Le mot pourrait être traduit avec du "Ciro", et il pourrait se référer à la zone de la Géorgie et Azerbaijan traversés par le Kura,fiume que de la Turquie il se jette dans le Mer Caspienne, note connue en le 800 comme Ciro. La peinture restaurée et réintolé est présenté en cadre de 800.

Huile sur tablette. Signé en bas à droite. Il s'agit de trois petits tableaux proposant des aperçus de paysage, réalisés dans le style naturaliste typique de Lorenzo Gignous : les deux latéraux, mesurant 24 x 30 cm, proposent le sujet le plus récurrent dans la production de l'artiste lombard, à savoir des aperçus du lac Majeur, animés par la pêche bateaux; au centre un paysage plus petit (18 x 25 cm) avec un groupe d'arbres dans la campagne. Les trois petits tableaux sont présentés dans un seul cadre contemporain.

Composé de feuilles gravées sur bois, cousues ensemble et partiellement colorées, avec des chiffres et des textes assortis. Le groupe se compose de 23 fascicules, dont deux en trois exemplaires et un en quatre exemplaires ; un autre couple a la même couverture mais un contenu différent. Les livrets peuvent être considérés comme des « mangas » du XIXe siècle : le mot « manga » peut encore aujourd'hui désigner de nombreuses productions différentes, telles que des dessins animés uniques, des dessins épars, des illustrations plus élaborées, des bandes dessinées, des bandes dessinées, ainsi que des dessins animés. . Ainsi, partant du postulat qu'il n'y a pas de "forme manga" mais différentes manières de concevoir des objets et des formes graphiques tous dénommés par ce mot, le terme manga peut être attesté dans l'usage littéraire et essayiste au Japon dès le XVIIIe siècle pour désigner , comme mentionné ci-dessus, des dessins et des croquis. Mais c'est à partir de la première moitié du XIXe siècle que les 15 volumes d'illustrations, d'études, de divertissements graphiques et d'estampes bichromatiques détaillées de Katsushika Hokusai se sont imposés, grâce à la publication progressive, à partir de 1814. Si, d'autre part, nous voulons donner au mot le sens plus spécifique de "récits dessinés en séquence", alors le début doit être placé dans la seconde moitié du XIXe siècle, à l'instar de ce qui s'est passé en Europe et aux États-Unis. pour les bandes dessinées. Les livrets sont en bon état.

Vase, fouilles romaines, 1860

Huile sur toile. Signé et daté en bas à gauche. Autre signature, date et titre au dos. Sur le cadre il y a un cachet d'une importante collection privée. L'œuvre propose une composition d'une amphore et d'une assiette en céramique peinte, entourées à droite de roses. Peintre et décorateur milanais, Luigi Scrosati fréquente d'abord l'Académie de Brera, qu'il abandonne bientôt pour se consacrer à de nombreux voyages à l'étranger, notamment à Paris. Dès le début de son activité, dans les années 1940, il travaille comme peintre de natures mortes fortement influencé par des exemples français, notamment de l'école lyonnaise. Parallèlement à la production de chevalets et d'aquarelles, dominée par la spécialisation de la nature morte de fleurs, Scrosati était très actif en tant que décorateur d'intérieur, souvent engagé dans un travail d'équipe aux côtés d'architectes et de maîtres d'œuvre, mais toujours avec une autonomie considérable et un style caractéristique , essentiellement éclectique et visant à une réinterprétation des styles du passé. Les débuts dans ce domaine, vers la fin de 1842, consistent en un cycle de fresques dans la résidence de San Fiorano (LO) appartenant à Giorgio Guido Pallavicino Trivulzio, pour lequel Scrosati a décoré une salle gothique, un salon rococo et une petite entrée compartiment. Ses fresques se retrouvent dans de nombreuses villas de Milan et des environs, des œuvres dans lesquelles Scrosati se réfère aux styles du passé, re-proposant des suggestions du XVIIIe siècle, mais aussi du baroque. Les décorations du cabinet de Dante d'abord, puis d'autres pièces du Palazzo Poldi Pezzoli de Milan (qui abrite aujourd'hui le musée du même nom) étaient plutôt de goût néo-médiéval, réalisées avec l'équipe Bertini dont faisait partie Scorsati. La maladie qui frappa Scrosati aux membres inférieurs en 1857, le rendant malade, l'empêcha probablement de poursuivre son activité de décorateur, l'obligeant à se rabattre sur la peinture florale de chevalet, ce qui l'amena à réaliser des natures mortes de fleurs, mais aussi des portraits. ou des faux bas-reliefs avec des guirlandes de fleurs ou encore des intérieurs et des scènes de genre, dans lesquels il a été influencé par la production allemande et viennoise de type Biedermeier et celle française de l'école lyonnaise. En 1862, Scrosati est chargé de diriger un nouveau cours Ornato à l'Académie de Brera, avec une référence particulière à la peinture de fleurs et aux relations avec l'industrie, un cours mis en place par l'institution Braidense pour développer l'école déjà florissante de peinture ornementale. Le travail est présenté dans un cadre de style.

Huile sur toile. La Vièrge est représentée en gloire, debout dans les cieux et entourée d'anges. L'œuvre, encore en première toile, a été appliquée sur un cadre moderne : ce fait, ainsi que la figure incomplète de Marie, suggère que le tableau faisait partie d'une toile plus grande. Le tableau est présenté dans un cadre stylisé.

Huile sur toile. Aulus Vitellius Germanicus Augustus est l'un des onze empereurs romains représentés en demi-teinte dans une série exécutée par Titien en 1536-40 pour Frédéric II, duc de Mantoue. Passées d'abord à la maison royale anglaise, puis à la cour d'Espagne, les peintures ont toutes été détruites dans un incendie catastrophique à l'Alcazar royal de Madrid en 1734 et ne sont plus connues que par des copies réalisées par divers graveurs flamands à la fin du XVIe siècle et au début du XVIIe siècle. Parmi celles-ci, nous avons la gravure du portrait de Vitellius par Aegidius Sadeler (1570 -1629), d'après laquelle notre copie présente quelques différences mineures, comme c'est souvent le cas lorsque des œuvres d'autres grands artistes sont copiées. L'empereur, qui se distingue par son nez proéminent, ses lèvres minces, ses joues potelées et son double menton, tient le bâton de commandement et porte une armure recouverte d'un manteau rouge. La peinture a été restaurée et retouchée.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole nord-européenne du XVIIIe siècle. Caratacus était un roi celtique de la tribu britannique Catuvellauni et chef de la résistance anti-romaine et célèbre comme combattant de la liberté. Pendant huit ans, il résista à l'invasion romaine de la Grande-Bretagne à partir de 43 après J.-C. Pendant huit ans, il fut l'homme le plus recherché de l'Empire romain, traqué sans relâche, de combat en combat, de forteresse en forteresse, dans les montagnes du Pays de Galles, jusqu'à ce qu'il ne fut pas trahi et remis aux Romains en 51 après JC par Cartimandua, reine des Brigands du Yorkshire, à qui il s'était tourné pour obtenir de l'ide. Vaincu, il fut amené enchaîné à Rome avec toute sa famille : amené devant l'empereur, le roi britannique parla avec une telle sagesse et une telle fierté (avec le discours rapporté par Tacite dans ses Annales) que Claude, frappé par ses paroles, accorda la grâce à lui, à sa femme et à ses frères, leur permettant de passer le reste de leurs jours à Rome. Le tableau présente le moment de la péroration de Caratacus, au centre de la scène enchaîné, plaidant avec ferveur sa cause devant l'empereur : il est assis sur son trône, flanqué de son épouse et entouré de sénateurs et de soldats. Le tableau, restauré et rentoilé à la fin du XIXème siècle, présente de légers dégâts.

Huile sur toile. Au centre du paysage développé verticalement se trouve une imposante structure architecturale en ruine, envahie par les mauvaises herbes et présentée dans des couleurs et des traits nuancés, comme pour souligner son délabrement. Devant, au premier plan et bien délimitées, quelques figures de bergers au repos, tandis que des vaches paissent : un berger joue de la flûte, le deuxième, assis et appuyé sur son bâton, observe le troisième, qui, nu, est en train de se laver, langoureusement étendu sur la rive du point d'eau. À gauche, on aperçoit des pics rocheux, gris sous un ciel naissant. Le tableau, restauré et restauré, est présenté dans un cadre en lattis.

Huile sur toile. École toscane du 17e siècle. Selon la tradition chrétienne, sainte Véronique est la "femme pieuse" qui, voyant la passion de Jésus portant la croix et son visage maculé de sueur et de sang, l'essuya avec un linge, sur lequel restait l'empreinte du visage de Jésus. Véronique apparaît également au centre du tableau, tandis que deux anges sur les côtés tiennent le linge sur lequel est imprimé le visage du Christ, couronné d'épines ; en dessous, un calice recueille symboliquement le sang divin, tandis qu'au-dessus du théta de la sainte plane l'Esprit Saint. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. La composition présente au centre un lièvre suspendu, flanqué de quelques cailles et d'un pigeon ; sur le côté droit, un panier en osier contenant des châtaignes et des branches de pin ; sur le côté gauche une botte d'asperges et un vase de fleurs colorées, dont les couleurs vives et vives créent un contraste chromatique avec les autres éléments, le tout dans des tons marron et gris. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre réutilisé du XIXe siècle.