Technique mixte sur toile. La grande scène, peinte dans la seule gamme de rouge-rose, voit deux grandes figures à droite, tandis que tout le côté gauche est occupé par un paysage désertique, les vagues des dunes disparaissant au loin. Les deux figures représentent un chevalier assis, coiffé d'un turban et d'une robe sarrasine, se faisant rafraîchir par une jeune fille en costume occidental, qui lui tend un plateau chargé de nourriture, tandis que sur la surface sous-jacente se trouvent une bassine d'eau, des épis de maïs et divers fruits. Il pourrait s'agir de l'une des nombreuses représentations de l'histoire d'Angélique et Medoro, racontée par l'Arioste dans Orlando Furioso, qui raconte l'amour entre la jeune chrétienne et le fantassin sarrasin blessé dans une bataille, qui s'enfuirent ensuite ensemble à Cathay, déchaînant ainsi La folie d'Orlando. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Huile sur toile. École du sud de l'Italie, XVIIe-XVIIIe siècle. La scène, pleine de personnages, voit au centre la figure d'un condottiere, bien défini dans les détails de l'armure, du cimier et de l'anatomie, qui accompagne avec bienveillance, d'un mouvement des bras, un homme agenouillé qui, avec sa compagne, rend hommage à un empereur, tout en montrant de sa main tendue le groupe de six enfants, tenus à droite par des soldats. L'empereur s'est levé de son trône, à gauche, et va à la rencontre du couple prosterné, mais lui aussi semble presque dans une attitude de révérence à l'égard du chef central. La scène semble faire référence à un épisode historique de clémence d'un condottiere qui, par son âge, ses traits et le type d'armure qu'il porte, pourrait être Alexandre le Grand, un personnage qu'il est cependant difficile de faire correspondre à l'autre figure couronnée de laurier qui descend de son trône dans le somptueux palais. L'épisode (historique ou légendaire ?) de référence ne peut donc être identifié précisément. On peut cependant apprécier la richesse compositionnelle de la scène, avec de nombreux personnages bien détaillés et des couleurs vives qui en soulignent le dynamisme. L'œuvre, restaurée et réencadrée, est présentée dans un cadre ancien.

Vacances Pulcinella 1981

Huile (mixte) sur toile. Signé et daté en bas à droite. Au dos une autre signature, le titre, la technique, et une dédicace dédicacée par l'artiste à un ami. Mario Cortiello, peintre napolitain, élève de Gennaro Villani puis ami et collaborateur d'Umberto Lilloni, a participé avec son style personnel au renouveau de la peinture napolitaine, sans s'écarter de la tradition. Doté d'une invention féconde et d'une remarquable capacité de représentation, il a laissé une production riche et variée. Des vues de paysage ou urbaines sont récurrentes dans sa production, peuplée de nombreuses figures, souvent, dans le décor napolitain, de Pulcinella, représenté flottant sur des fonds oniriques, à tel point qu'il est défini comme le Chagall napolitain. Dans cette œuvre, Cortiello représente les fêtes du masque napolitain comme un moment ludique en compagnie des femmes nues omniprésentes. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Homme avec Chien 1962

Lithographie, numérotée en bas à gauche N.138/170, signée en bas à droite. Peintre et graveur pisan, il n'obtient une reconnaissance nationale qu'en devenant professeur de gravure à l'Académie des Beaux-Arts de Florence en 1948, sous la chaire de Giovanni Fattori. Viviani a su transférer sa vision personnelle du monde dans ses gravures, à travers des images qui s'inspirent de la vie de la côte pisane, de la terre qu'il aimait et où il vivait, se consacrant à son autre grande passion, la chasse. Présenté dans un cadre en plexiglas.

Scène de chasse

Huile sur toile. École nord-européenne du XVIIIe siècle. La grande scène, située dans un paysage nordique de végétation dense sous des sommets bleus imperméables, représente le point culminant d'une chasse au fauve : le cavalier, qui occupe la partie supérieure de la scène, plante sa lance dans la proie terrifiée et agonisante ; tout autour, la meute de chiens participe. Le cavalier, qui occupe la partie supérieure de la scène, plante sa lance dans la proie terrifiée et agonisante ; tout autour, la meute de chiens participe, courant autour du cavalier et de la proie. Le chien du centre inférieur se distingue de tous les autres, le seul à avoir un pelage clair : la luminosité intense qui émane et fait ressortir le dessin précis de son pelage, les muscles en mouvement, l'expression exaltée de l'animal, en font le protagoniste de la scène, attirant le regard, tandis que toutes les autres figures, y compris le cavalier, deviennent le contour, précis et exact, mais pas le protagoniste. C'est précisément la précision dans la peinture des animaux qui rapproche cette œuvre de la production de Philip Peter Roos, dit Rosa da Tivoli. Originaire de Francfort, puis installé à Rome, où il est resté jusqu'à sa mort, cet artiste a été très actif surtout comme peintre d'animaux, représentés au premier plan sur des fonds paysagers et exécutés avec des couleurs riches et des effets de lumière intense. Le grand succès qu'il a connu et la très grande production qui en a découlé (parfois au détriment de la qualité des œuvres), justifient l'attribution fréquente à ce peintre d'œuvres dont le sujet et la technique picturale sont proches des siens, comme celle présentée ici, qui n'est cependant pas documentée et validée. Restauré et ré-encadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Bas-reliefs en bronze doré. Signé en bas à droite ; nombre d'exemplaires 25/150 en bas à gauche. Le triptyque est accompagné d'un certificat d'authenticité du Centre Seledi Arte de Milan. Les titres des trois bas-reliefs figurent dans l'authentification : Fortune, Stallion Fight, The Couple. La sculpture de Francesco Messina, si pleine d'échos de l'héritage classique gréco-romain et hellénistique, "se caractérise", écrit Carlo Carrà, par "un style simple et magnifique" et par un "procédé idéaliste et classique" capable de donner vie aux formes qui restent comme des « images idéales ». Les trois panneaux de bronze sont montés dans un seul cadre.

Huile sur toile. Il s'agit d'une représentation picturale d'un épisode tragique très probablement antisémitique. À droite un militaire en Russe uniforme, de retour à maison blessée, il se retrouve devant les yeux la scène dramatique de la famille massacrée, que le rabbin est en train de veiller en prière. La fenêtre cassé, les tiroirs retourné, montrent l'irruption forcée des assassins. À gauche du miroir nous trouvons une inscription en Hébreu qu'il pourrait suggérer la localisation ou la trace qui propose. Le mot pourrait être traduit avec du "Ciro", et il pourrait se référer à la zone de la Géorgie et Azerbaijan traversés par le Kura,fiume que de la Turquie il se jette dans le Mer Caspienne, note connue en le 800 comme Ciro. La peinture restaurée et réintolé est présenté en cadre de 800.

Huile sur toile. La grande scène au sujet vériste se déroule dans un bois touffu où, près d'une source, une petite famille s'est arrêtée pour se reposer : après avoir laissé la charrette avec leurs affaires (sans cheval, donc tirée à la main !), un homme, une femme et un grand groupe d'enfants se reposent, mangent, se rafraîchissent à la source ou jouent. Un rayon de soleil filtre à travers les arbres, en haut à gauche, et éclaire le groupe de personnages au centre, en bas, les protagonistes de la scène. Le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe - début du XXe siècle.

Les Jeux de Pulcinella

Huile (mixte) sur toile. Signée et datée en bas à droite. Signature supplémentaire, titre, technique et déclaration d'authenticité au dos. Mario Cortiello, peintre napolitain, élève de Gennaro Villani puis ami et collaborateur d'Umberto Lilloni, a participé au renouveau de la peinture napolitaine avec son style personnel, sans s'éloigner de la tradition. Doté d'une invention fertile et d'une remarquable capacité de représentation, il a laissé derrière lui une production riche et variée. Les vues paysagères ou urbaines, peuplées de nombreux personnages, souvent, dans le cadre napolitain, de Punchinello, représentés flottant sur des fonds oniriques, sont récurrentes dans sa production, à tel point qu'on l'a appelé le Chagall napolitain. Dans cette œuvre, Cortiello souligne l'âme à la fois ludique et érotique du personnage masqué qui incarne l'esprit napolitain, en représentant certains Punchinellos engagés dans des jeux érotiques avec des femmes nues en pleine nature. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Personnages avec nature morte automnale

Huile sur toile. Sur le tonneau, dans le coin inférieur gauche, figure la signature de H. Sanders. La scène, située en plein air dans une rue d'une ville flamande, avec le canal en arrière-plan à gauche, montre au premier plan une marchande de légumes derrière son étal, qui présente une composition variée de légumes d'hiver, une nature morte composée de choux-fleurs, de choux, de carottes, d'épis de maïs ; à côté de la femme, un passant muni d'un harpon lui offre du poisson, manifestement le fruit de sa pêche qu'elle veut vendre. Le décor rappelle Amsterdam, ville où naquit et vécut le peintre hollandais Hercules (ou Herkules) Sanders, qui s'imposa surtout comme portraitiste, mais on connaît une scène de genre dans un intérieur, aujourd'hui au Detroit Institute of Arts, datée de 1647 et intitulée "Femme nettoyant des poissons", dont la figure féminine ressemble beaucoup à celle de la vendeuse de l'œuvre présentée ici. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre stylisé.

Scènes Pastorales

Huile sur panneau. Décoré de scènes pastorales sur fond monochrome vert clair, avec des couples, des enfants, des paysans individuels pris pendant de moments de repos et de conversation, à la manière des modèles du XVIIIe siècle. Probablement des panneaux en bois de portes de meubles, les tableaux ont été montés plus récemment sur des châssis en bois. Ils ont plusieurs chutes de couleur et des taches, en particulier au niveau de l'arrière-plan.

Sur le canapé d'argent pâle 1911

Lithographie en couleurs sur papier vélin. Le titre en bas à gauche. Sur le passe-partout le nom et la mention "lithographie originale". Il s'agit de la planche n.10 de la série "Amour", créée en 1899 par l'artiste français et inspirée des poèmes d'amour que Denis a écrits pour sa future épouse, Marthe Meurier. Quelques répliques de la série initiale ont été réalisées, dont celle sur papier de soie datée de 1911. Maurice Denis, peintre français, s'est formé artistiquement en coïncidence avec la naissance du mouvement symboliste qui l'a fortement influencé, s'imposant par sa simplicité et par sa philosophie d'un art qui était une synthèse entre le monde extérieur et la spiritualité de l'artiste. Dans ses premières œuvres, le style pictural est naturaliste et néo-impressionniste, mais tend au fil du temps vers un décorativisme pur, caractérisé par des aplats de couleur et des contours nets. En 1888, à l'Académie Julian à Paris, Maurice Denis fonde avec Paul Sérusier, Pierre Bonnard et Paul Ranson, le groupe de peintres Nabis (Prophètes), groupe qui s'inspire des œuvres et de la poétique de Paul Gauguin dans leurs idéaux esthétiques., pour le dépassement du naturalisme impressionniste par un retour à l'art primitif et japonais. Des rencontres Nabis, habituellement tenues à la rédaction de la revue "Revue Blanche" ou à l'Académie Ranson, Denis appréciait particulièrement le climat mystique, le jargon ésotérique et le surnom que chaque peintre recevait du groupe : Denis était appelé "le Nabi par les belles photos". Comme "Nabi" Maurice Denis peignait des tableaux intimes et énigmatiques et les thèmes de sa peinture, à caractère religieux ou des situations de la vie quotidienne, étaient portés dans une dimension idéale et irréelle, dans une atmosphère d'intimité chaleureuse et sereine, obtenue avec une extrême trait délicat. Une constante dans sa vie a été la profession de foi catholique, qui a toujours eu pour lui un rôle prioritaire. Il reçut de nombreuses commandes pour la décoration d'églises et cela le fit revenir à la grande tradition de la peinture murale en exécutant des fresques solennelles de structure monumentale, inspirées d'un catholicisme littéraire. La ferveur religieuse conduit Maurice Denis à fonder, en 1919, les Ateliers d'Art Sacré, consacrant beaucoup de temps à la prière, à tel point qu'il devient le tertiaire de San Domenico, sans l'isoler du monde, pour lequel il participe dans la vie sociale de l'époque. En plus de sa vaste production de peintre, Denis était un grand dessinateur et illustrateur. Jusqu'à sa mort, Maurice Denis a continué à peindre dans une interprétation moderne de la grande peinture ancienne, soutenu par sa forte veine artistique, continuellement alimentée par ses voyages, dont beaucoup en Italie, qui l'ont amené à entrer en contact direct avec les Préraphaélites. et les néoclassiques.

Huile sur toile. Dans cette composition, une femme et son enfant, vêtus à l'ancienne et flanqués d'un bœuf, agenouillés sur un terrain escarpé, tendent les bras vers le haut dans un geste de supplication ou peut-être de contemplation. Il pourrait s'agir d'une interprétation de Marie accompagnant l'enfant Jésus pour contempler son destin, le bœuf rappelant la naissance et la vie pastorale simple de la Sainte Famille. Restauré et retouché, le tableau présente quelques traces de décoloration. Il est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. La scène, en extérieur, au pied d'une pente, montre deux figures féminines affalées sur elles et derrière elles un pèlerin, avec le bâton et les coquillages traditionnels sur son manteau. La femme au premier plan tient un chapelet dans une main et un enfant endormi est allongé sur ses genoux. La scène rappelle un moment de prière douloureuse et contemplative. Le tableau, déjà restauré et rentoilé, présente plusieurs gouttes de couleur et taches. Il est présenté dans un cadre élégant.

Gravures au burin sur cuivre. Conçues par Vincenzo Gazzotto et gravées par Antonio Bernati (1792-1873) en 1833, il s'agit de quatre gravures tirées du répertoire figuratif "Le costume de toutes les nations et de tous les temps, décrit et illustré d'un atlas" édité par Lodovico Menin entre 1833 et 1843. Chaque panneau est numéroté dans le coin supérieur droit et porte en haut au centre l'indication de la région géographique et de la période historique des scènes de costumes représentées. Il y a des costumes : Lombardi sec. IX-X ; Lombardi sec. XIV-XV; toscans sec. XIII-XIV ; Marque Trevigiana sec. XIV. Les gravures sont présentées dans des cadres en bois du milieu des années 1900, dans un style antique.

Huile sur toile. École d'Europe de l'Est. Signé Szego G. en dessous. Il s'agit de deux œuvres à proposer alignées car elles représentent un garçon et une fille allongés sur la même pelouse dans une position en miroir, comme s'ils se faisaient face, vraisemblablement en quête d'un jeu amoureux : ils portent des vêtements gitans et ont des instruments de musique avec eux - elle un tambourin et lui un violon - qui font référence à deux personnages d'ethnie slave, issus du monde gitan. L'ensemble est vivant et serein. Les deux œuvres sont présentées dans des cadres stylés.